¿In a Gadda da Vida o In the Garden of Eden?

El sitio Blender publica “Las 50 peores bandas de todos los tiempos”. Un esfuerzo notable, dado que por cada una de las bandas listadas, se incluye la razón básica de porque están allí. Me sorprendió que la banda “Iron Buttlerfly” aparezca en tan distinguido listado. De acuerdo al sitio, aparentemente los 5 miembros del grupo: “…consumieron tal cantidad de marihuana y LSD durante las sesiones de 1968 para grabar “In the Garden of Eden”, que el tecladista-cantante Doug Ingle trasformo las palabras del titulo mencionado, en una frase sin sentido. “In a Gadda da Vida” había nacido.

La verdad (de acuerdo con las anotaciones en la recopilación en CD de «Lo Mejor De») es que el baterista Ron Bushy, estaba escuchando el tema a través de audifonos de caja. En ese momento le pregunto a Doug Ingle por el titulo de la cancion y, no pudo oír correctamente cuando Doug Ingle le contesto.

La canción incluye un memorable riff de guitarra y bajo, y sostiene este riff durante más o menos toda la duración del tema (17 minutos). El riff es usado como base para los largos solos de órgano y guitarra, que son interrumpidos a la mitad por un largo solo de batería, uno de los primeros solos en una grabación de rock, y probablemente uno de los más famosos en este género.

La canción es importante en la historia del rock porque, junto con Blue Cheer y Steppenwolf marcó el punto en el cual la música psicodelica sirvio de base para el heavy metal. En los siguientes años (70s) artistas de hard rock, heavy metal, rock progresivo y Rock Sinfonico como Deep Purple y Led Zeppelin le debieron mucho de su sonido, y incluso mas aun en sus actuaciones en directo, a esta grabación.

Otro argumento a favor de Iron buttlerfly: El Album “In a Gadda da Vida” fue el primer LP certificado platino en todos los tiempos.

¿Ozzy, Manson o ... Gorgoroth?

Si crees que en la escena del rock, solo se puede escoger entre Ozzy o Manson como los mas grandes iconoclastas, pues no estas bien informado. Gorgoroth es la banda de Black Metal que ha llevado lo perverso a delito. Esta banda lleva en su música, la crudeza del género musical al que pertenecen y son conocidos por sus convicciones satánicas y problemas con la ley. Gorgoroth se forma en 1992 en Bergen, Noruega, por el guitarrista Infernus, el baterista Goat Perverter y el vocalista Hat.

En la historia del Black Metal noruego, parece que todo parte de la ideología de Varg Vikerness: “La única iglesia que ilumina es aquella que arde”. Varg es el líder del proyecto Burzum. También es llamado “Conde Grisnackh”. El sujeto en cuestión fue de los pioneros del metal noruego, aunque purgo una sentencia de 16 años por el asesinato de Euronymous, otrora guitarrista de Mayhem.

La frase en mención se refiere a los hechos ocurridos en Noruega en 1992, cuando la iglesia Fantoft Stare, un edificio de madera que databa del Siglo XII fue el primero en arder en llamas provocadas. El bajista original de Gorgoroth, Kjetter, terminó en prisión por ello. Aquello fue un acto puramente iconoclasta. La idea básica era que el cristianismo había debilitado la mente y el espíritu de los noruegos, un pueblo cuyos ancestros se caracterizaban por su fortaleza y cuya religión era el Odinismo.

Quemar iglesias era un acto rebelde en contra de una religión que, según varios de los músicos metaleros de la época, sólo representa el sometimiento del ser humano con base en el miedo. Los músicos que intervinieron en dichos actos formaron una sociedad llamada Inner Circle.

Para algunos puede ser difícil de digerir, pero se trataba de un concepto que tenía una ideología detrás. El problema fue que muy poco tiempo después, varios miembros del Inner Circle se convirtieron en delincuentes. Así, Vikerness asesinó a Euronymous de 23 puñaladas. Otros músicos fueron condenados por actos de violencia en contra de sacerdotes y homosexuales. Faust, de la banda Emperor está preso por asesinar a un sacerdote; y Dead, el cantante de Mayhem, se suicidó con un tiro de escopeta luego de delinquir.

Para recordar estos hechos, basta encontrar discos de la época. Así, en Aske, Burzum usó la foto de la iglesia quemada como portada y Mayhem usó una foto de su ex cantante en el suelo con media cabeza esparcida por la pared y el suelo, en el disco Dawn of the Black Hearts.

En ese contexto, surgió Gorgoroth. El nombre se refiere a una planicie /meseta que exuda maldad y oscuridad en las cercanías de Mordor, el paraje maldito dentro de la obra El Señor de los Anillos, de Tolkien.

Sus minutos de fama llegaron en febrero del 2004. Como parte de una gira europea ofrecieron un concierto en Cracovia, Polonia. Sin que ellos lo supieran, el concierto se transmitió en vivo por televisión abierta a todo el país. El montaje escénico incluía 50 cabezas de ovejas empaladas sobre el escenario, dos mujeres y un hombre desnudos crucificados, con bolsas en la cabeza y literalmente bañados en sangre. Durante el concierto y como parte de la escenografía, las personas crucificadas fueron agredidas y les produjeron cortadas en la piel. El concierto fue un escándalo, se les acusó de violar el código penal de Polonia, específicamente una ley que prohíbe demostraciones públicas de odio religioso, y otra que tenía que ver con la brutalidad en contra de los animales.

El juicio finalmente se desechó. La banda no sabía de las leyes polacas ni su código penal y las cabezas de ganado las compraron en un rastro. Esa presentación los puso en escena mediatica. Sin embargo, con el paso de los meses se hicieron públicas diversas actividades que pasaron de ser un performance agresivo a delincuencia sin sentido.

Infernus, el guitarrita original enfrenta un proceso por asalto sexual agravado, variante que tiene la ley noruega para calificar un delito que no alcanza a ser violación, pero que implica sexo no consensuado.

Gaal, el vocalista fue sentenciado a 14 meses de prisión por haberle propinado una brutal golpiza a una persona de 41 años, luego de amenazarlo con beber su sangre. Ya antes había estado en prisión por un acto similar. Un rumor indica que cuando estuvieron en México, se involucraron en actos de pederastia.

La historia de Gorgoroth es tétrica. No por nada andan siempre con problemas legales en Noruega, y eso que se trata de un país que entiende la ley de manera mucho más flexible que nosotros.

Bueno, ¿Y su musica? A la fecha han generado:

1993, A Sorcery Written in Blood, (Demo).
1994, Pentagram.
1996, Antichrist.
1997, Under The Sign Of Hell. Sin duda la obra maestra de Gorgoroth.
1998. Destroyer,
2000, Incipit Satan,
2005, Twilight Of The Idols-In Conspiracy With Satan.
2007, Ad Majorem Sathanas Gloriam,
2007, Carving a Giant, su primer DVD que es sobre los hechos ocurridos en Polonia.

Muchos creen que Gorgoroth es una vergüenza para el metal. Las historias de todo lo que pasa siempre tienen el sesgo de lo absurdo y lo grotesco. ¿Es delincuencia disfrazada de rebeldía o ideología con acciones que permite la ley noruega? Lo único claro, es que lo que hacen no es por razones mediáticas; ya que no dan autografos. no dan conferencias de prensa ni publican sus letras y acordes. Nunca han participado en reality shows (como Ozzy) ni aceptan entrevistas por dinero (como Manson).

Juntos por unica vez...

Ni más ni menos que... The Dirty Mac, una banda improvisada formada por:

Bateria: Mitch Mitchell (de The Jimmy Hendrix Experience)
Bajo: Keith Richards (primera guitarra de The Rolling Stones)
Primera guitarra: Eric Clapton (guitarra y voz de Cream)
Segunda guitarra y voz: John Lennon (voz y segunda guitarra de The Beatles)

Lennon reunio a esta superbanda para la participación de un especial de televisión llamado THE ROLLING STONE ROCK AND ROLL CIRCUS, organizado por Mick Jagger. The Rolling Stones Rock and Roll Circus es un especial hecho por los Rolling Stones para la televisión británica que se filmó entre el 11 y el 12 de diciembre de 1968 en el recinto Roundhouse de Londres, pero que nunca se emitió como tal.

Este material permanecio almacenado y en 1996 fue editado y se dio a conocer al mundo. En este especial televisivo también participaron el resto de los Rolling Stones, The Who y Jethro Trull, entre otros. En las fotos ensayando y tocando “Yer Blues”.

Klaatu...finalmente no eran!

En los últimos años de la década de los setenta, los fanáticos de The Beatles vivieron un hermoso momento. Al parecer, los 4 de Liverpool tenían un proyecto paralelo clandestino.
Querían huir de la fama y de los medios, pero seguir construyendo su marca imborrable en la música.

En 1977, un disco de un enigmático grupo llamado Klaatu despertó el interés de todos los melómanos. Inmediatamente se rumoreo que eran Los Beatles bajo un nuevo nombre y con otro vocalista aun cuando hay canciones donde se “puede escuchar” voces casi exactas a Lennon y McCartney.

Muchas pistas y rasgos simbólicos estaban allí. Se mencionaron:

1) Klaatu era un proyecto anónimo, sin créditos en ningún sitio, en la contraportada del LP solo decía: Producido por Klaatu. Todas las canciones escritas por Klaatu.

2) El nombre Klaatu venía de un personaje del film “The Day the Earth Stood Still”. Años antes, Ringo Starr, había sacado un disco como solista en el cual, en la portada, había una recreación de una escena de esta película en la que Ringo estaba disfrazado como Klaatu.

3) El primer LP de Klaatu había sido lanzado por Capitol, el sello discográfico americano que contrató a Los Beatles. Las canciones estaban registradas bajo nombre de la CAPAC (Asociación Canadiense de Derechos de Autor), es decir, canciones sin dueño, algo así como si alguien compusiera para regalarlo al mundo. Paralelamente, se había corrido el rumor de que Lennon se había mudado a Toronto, huyendo de un potencial peligro del gobierno estadounidense.

4) Las portadas de Klaatu tenían ciertas referencias “Beatlísticas” como la aparición de soles (“Sun King” de Abbey Road, Magical Mystery Tour y un disco solista de McCartney llamado “Venus & Mars”). Se llegaron a encontrar 22 pistas!

Pero, por sobre todas las cosas, este grupo Klaatu tenía un talento indudable. Sus piezas musicales sonaban como Beatles contemporáneos, lo cual, para cualquier grupo incipiente, era el mejor de los halagos. Y es que realmente la banda es excelente. ¿Quien iba a dudar que “Calling ocuppants of the Interplanetary Craft” o “Sub Rosa Subway” no eran los Beatles? La guitarra de Harrison estaba en "California Jam" etc. Pocos creian que una banda tan buena saliera practicamente de la nada.

El caso es que en 1979, todo el rumor se había sepultado. Klaatu eran tres canadienses que "querian ser conocidos solo por su musica". Por razones que aún se desconocen, quizá mala publicidad, aunado al sentimiento de “fraude” al darse a conocer la verdadera identidad de Klaatu, esta banda nunca tuvo el éxito que merecían. Sacaron 5 álbumes en 6 años, para luego sencillamente desaparecer, curiosamente dentro del contexto de la muerte de Lennon.

Klaatu - 3:47 E.S.T. (1976) (El mejor Album)

Tracks:
1. Calling occupants of the interplanetary craft (7:14)
2. California jam (3:01)
3. Anus of Uranus (3:16)
4. Sub Rosa subway (4:36)
5. True life hero (3:25)
6. Doctor Marvello (3:37)
7. Sir bodsworth rugglesby 3 (3:22)
8. Little neutrino (8:25)

Total Time: 36:56
Line-up/:
- John Woloschuk /bass, guitar, keyboards, lead vocals
- Dee Long / guitar, bass, lead vocals
- Terry Draper / drums, percussion, trombone, vocals

Recomendable escucharlo!

One Hit Wonders en Español

En el frustrante trafico de las mañanas, tengo la costumbre de escuchar una estación de radio en particular. Un día, el locutor tuvo la ocurrencia de programar de esas canciones que fueron popularísimas en su tiempo, que las ponían una, otra y otra vez, por meses! Los llamados one hit wonder, grupos o vocalistas que nos “asombraron” alguna vez con sus interpretaciones, pero sólo una vez (afortunadamente), y que luego quedaron en el olvido. Algunos siguen por ahí pero aún no han hecho éxito comercial igual que el primero. Algunos ejemplos en español:

Los del Rio
LA MACARENA
Quién les iba a decir a Los del Río, un buen grupo de flamenco, que llegarían a tener un éxito mundial con ¿La Macarena?. Pues así fue. La Macarena vendió más de diez millones de copias y se convirtió en el mayor éxito internacional de la música española. Tiene una letra tan facil de aprender y solo seis movimientos de coreografía que hasta los gringos podian recordarla y hasta la podían medio bailar. Recordemos a Clinton bailando el tema durante su campaña electoral tratando de obtener el voto hispano. Sin duda, uno de los mayores One Hit Wonder de la historia.

Las Ketchup
ASEREJE
El nombre de este trío de hermanas (que después fue cuarteto) tiene una originalidad que asusta por lo osado: son hijas del guitarrista flamenco apodado El Tomate, así que ellas decidieron llamarse Las Ketchup. Realmente trascendente. El álbum en el que se incluye el famoso "Aserejé" se titula "Las Hijas del Tomate". ¿Quién no bailó el verano del 2002 esta "versión" de "Rappers Delight" de Sugar Hill Gang? ¡Fue nº1 en 16 países! Afortunadamente las nuevas generaciones no han sido expuestas a esta porqueria.

Kaoma
LA LAMBADA
Esta rola revolucionó a la sociedad latina a finales de los 80. Por ridículo que parezca ahora, lo llamaban "El Baile Prohibido", estuvo censurado en algunos países (obviamente por razones de marketing) y se calificaba de "Baile Erótico" por los sotanudos y las pinguinos. Kaoma, el grupo que popularizó la canción en portugués, no volvieron a hacer nada más.

Pero hay mas, por supuesto, Rico-Suave de Gerardo, El Gato Volador de El Chombo, Mesa Que Mas Aplauda de Climax, Mi Historia Entre Tus Dedos de Gianluca Brignani, Laura de Nek, Para No Verte Mas de la Mosca Tse Tse, algun otro?

PS. Me pidieron que incluyera este, por ser recordado por muchos guatemaltecos.

July Mateo

OYE

Esta cancion va mas o menos asi: "la la laaaaa, la la la la!!!, oye, abre tus ojos, mira hacia arriba, disfruta las cosas buenas que tiene la vida, (bis); un descanso en el camino, una botella de vino, un suspiro, una mirada, una alegre carcajada...mira bien alrededor y veras las cosas buenas, que la vida es un amor, olvidate de tus penas...". Esta cancion fue famosa al inicio de los años ochenta en Guatemala. Los productores /editores de Canal 7 lograron sincronizar algunas escenas del Chavo del Ocho con esta cancion y como no teniamos MTV pues bueno, un exito! Posteriormente la interpretaron La Sonora Dinamita y Wilfrido Vargas, entre otros.

Las 10 mejores de The Beatles

Se acaba de publicar (agosto 2010) una edicion especial de la revista Rolling Stone "solo para coleccionistas", y se trata de un numero dedicado exclusivamente a The Beatles. Entre los articulos se pueden encontrar: una introduccion de Elvis Costello, entrevistas con Paul y John sobre sus canciones preferidas, el trabajo de Harrison en guitarra y listados de los mejores covers, entre otros. Sin embargo, destaca el listado de las 10 mejores de todos los tiempos:

1. A day in life: La ultima colaboracion Lennon -McCartney que no fue reconocida como pieza maestra sino hasta mediados de los ochenta, luego de la muerte de John.

2. I want to hold your hand: Por lo que fueron conocidos inicialmente y que desencadeno la "Beatlemania".

3. Strawberry fields forever: Representa todas las obsesionantes visiones de la niñez de los miembros del cuarteto, en este campo de Liverpool.

4. Yesterday: La cancion mas versionada de todos los tiempos.

5. In my life: Por ser la cancion escrita con mas colaboracion entre John y Paul.

6. Something: De acuerdo con John y Paul la mejor cancion de Harrison. La segunda mas versionada de todos los tiempos.

7. Hey jude: La cancion que Paul le dedica al hijo de John y Cyntia. Esta rompe con esquemas por su duracion y progresion musical.

8. Let it be: Compuesta en la epoca mas dificil de The Beatles.

9. Come together: La ultima cancion grabada, revisada y editada en estudio con la presencia almismo tiempo de los cuatro.

10. While my guitar gently weeps: Originalmente acustica solo con Harrison. Cambio radicalmente cuando Harrison invita a Eric Clapton para que tocara la primera guitarra e hiciera el solo.

¿Estuvo en Woodstock?

Escribo sobre un famoso grupo: Creedence Clearwater Revival. Que por cierto, contrario a lo que locutores en Guatemala tradujeron como “Los Creyentes del Resurgimiento del Agua Clara”; en realidad la banda tomó los tres nombres de la siguiente forma: El nombre propio “Creedence” es en honor a Creedence Nuball, un amigo fallecido de Tom Fogerty. Clearwater fue tomado de un anuncio publicitario de cerveza y Revival fue el deseo del grupo. Resurgir luego de haber tocado casi desapercibidos por 10 años con otros nombres.

Entre 1967 y 1969, CCR, como una forma de impulsar las ventas de sus primeros tres álbumes ofreció conciertos en muchos lugares, entre los que se incluyeron el Atlanta Pop Festival y, lo que pocos saben, el Festival de Woodstock. La participación de Creedence no fue incluida finalmente en el video del festival, ni en su banda sonora, debido a que el propio Tom Fogerty consideró que el concierto no fue decente!

La banda llegaría incluso a quejarse formalmente que tuvieron que salir al escenario, a las tres de la madrugada tras Grateful Dead, quienes sobrepasaron el tiempo estipulado para ellos interpretando varias jams. Cuando Creedence Clearwater Revival saltó al escenario, gran parte del público había abandonado el festival.

A pesar del revés ocurrido en Woodstock, CCR se mantuvo ocupado grabando su cuarto álbum, Willy and the Poor Boys, publicado en noviembre de 1969. Down on the Corner y Fortunate Son alcanzarían los puestos #3 y #4 respectivamente a finales de año. El resto es historia.

Un accidente que dio origen a un sonido

La carrera de Tony Iommi como guitarrista estuvo a punto de terminar prematuramente cuando sufrió un accidente laboral a los 13 años. El trabajaba como soldador en una fabrica pero una fatídica tarde lo pusieron a cortar metal en una maquina que el nunca había operado.

Esta maquina le rebanó la punta de los dedos medio y anular de la mano derecha. Fue llevado al hospital donde los medicos le dijeron que no podría tocar mas la guitarra. Regreso a su casa deprimido y convencido que sus días como guitarrista habían terminado.

Fue entonces cuando el gerente de la fabrica lo visito y le habló del guitarrista Django Reinhardt, quien perdió la movilidad de dos dedos de la mano derecha en un incendio en el campamento gitano donde vivía y que aun así siguió tocando. Esto inspiró a Iommi para seguir con la guitarra.

Con sus escasos conocimientos de manipulación de materiales, derritió plástico de unas botellas, las moldeo en sus dedos e hizo extensiones, las cubrió con cuero y continuó tocando. Iommi declaraba: "Las primeras semanas pensé que nunca llegaría a tocar bien la guitarra, pero en el hospital pudieron acoplarme durante un tiempo unas prótesis de plástico, de forma que pude seguir tocando. Fue muy duro, tuve que trabajar muchísimo y practicar seguramente más de lo que cualquier otro guitarrista ha practicado, pero afortunadamente conseguí recuperar la fe en mi".

Otra consecuencia de este accidente, fue que Tony tuvo que cambiar las cuerdas de la guitarra y sustituirlas por cuerdas para Banjo (que son mas delgadas y suaves) y afinarlas tres semitonos mas bajo ( de E a C#) para eliminar la tensión a las cuerdas y así poder estirarlas y tocarlas con mayor facilidad. El sonido heavy metal habia nacido. Este sonido primitivo y sin mucho apoyo tecnológico puede ser apreciado en temas como NIB, Black Sabbath, Electric Funeral, Paranoid, Children of the Grave o Iron Man; a partir de los cuales, Iommi se ha ganado con justicia, la reputación de ser el más grande creador de riffs de todos los tiempos.

Jam Session

Alvaro Batres (Rhythm Guitar - Izquierda) y Charly Cruz (Lead Guitar - Centro), en un Jam Session, interpretando "Hotel California", en el Cafe Las Americas, Centro Historico Ciudad de Guatemala, el 22 de mayo de 2010. 00:15 hrs. Alvaro ha tocado /toca en grupos como "Conflicto Interno", "Chest", "Trikoma", "Mishito en Lana"; Charly en "Los Jokers", "Via Publica" y actualmente como solista.

Que es un Jam Session: Una reunion informal de musicos que tocan, por propio disfrute, musica no escrita como tal ni ensayada.

Estructura de un Jam Session: Presencia de musicos que usualmente no tocan juntos. Ausencia de un lider o de un programa. Seleccion de temas conocidos por el publico y que surgen en ese momento. Improvisaciones, generalmente solos de guitarra, sobre la base melodica y armonica que responden a las habilidades de los musicos. No hay competencia individual sino lograr la armonia en grupo. Presencia de riffs sobre background /acordes conocidos.

Desarrollo de un Jam Session: En algun lugar, que puede ser un cafe, club social, cafeterias o viviendas particulares, de forma espontanea los musicos forman el grupo y se selecciona el o los temas a ser tocados. Usualmente se inicia con riffs o con la base de la melodia y poco a poco los musicos se van incorporado sobre la armonia. Las improvisaciones pueden ser sobre la melodia o sobre solos de guitarra ya conocidos. Un Jam generalmente se realiza con musica Jazz, Blues o Rock.

Cuando no se es famoso al principio...

El grupo Kiss se formó el 17 de diciembre de 1973 en NY de las cenizas de un grupo llamado Wicked Lester. Fue ideado por Chaim Witz quien cambió su nombre a Eugene Klein y luego se hizo más conocido como Gene Simmons. Después de varias discusiones con su amigo Paul Stanley, decidieron atender un anuncio de la revista Rolling Stone en donde Peter George John Crisscuola (Peter Criss) estaba buscando una banda. Finalmente, por otro anuncio en "The Village Voice", Ace Frehley se presentó a una audición en la cual él es elegido para la lead guitar.

Su estilo musical inicial, no tenía nada que ver con lo que se hacían otros grupos que venían de los años sesenta. Dejaron atrás las raíces folk que muchos grupos desarrollaban como base de melodía. Tampoco hacían rock progresivo, enterraron el espíritu hippie que aún tenían muchas bandas de influencia psicodélica, cambiándolo por un sonido crudo, de alto volumen y de mucha distorsión, además de potente, junto con coros que se hicieron himnos para sus fans. Kiss en ese momento tenía un estilo musical hibrido, con un sonido entre Heavy Metal y Rock & Roll y con bases rítmicas muy cercanas al jazz.

Se maquillaron desde un principio como una forma de autoparodia del rock escénico basado en Alice Cooper, David Bowie y Peter Gabriel. Como lo muestra la foto, el maquillaje era simple y no fue sino hasta que firmaron convenio con Casablanca Records que recibieron asesoria sobre maquillaje y los "personajes" que hicieron famosos.

KISS y Facebook: Luego de influir en el rock y en el espectáculo; de vender mas de 100 millones de copias y lograr 24 discos de oro; el pasado miércoles 25 de noviembre de 2009, se transmitió en tiempo real el espectacular concierto del Staples Center de LA vía Facebook, donde más de 2 millones de cibernautas se conectaron y pudieron disfrutar del histórico evento.

Carlos Santana en Guatemala 1973

A raíz de la segunda venida de Carlos Santana a Guatemala, existen 2 artículos que salieron en publicaciones de prensa. En uno de ellos, hay una anécdota interesante en la cual se narra que Carlos Santana, en su primera venida, quiso conocer Guatemala de noche y llegó a un club que quedaba en la zona 9 donde había música en vivo en el lugar. El pidió una guitarra y armaron un jam con el grupo que estaba tocando en el lugar, estas son las fotos y son extraídas de un artículo de Jorge Palmieri y una revisión de Jorge Sierra. Artículo original escrito por Cesar Borrayo. Santana aparece en la segunda foto con guitarra en mano y Jorge Palmieri aparece vestido de negro con camisa de cuello de tortuga.

Estrella Caida

Star Stowe (nacida como Ellen Louise Stowe en Little Rock, Arkansas, USA) fue una famosa modelo de la revista Playboy. Su efímera fama le llego porque fue centerfold en la edición de febrero de 1977. En toda la historia de la revista, ha sido la única “conejita” que ha posado con un instrumento musical, en este caso con un bajo Rickenbacker, propiedad de Gene Simmons de la banda Kiss. La foto fue tomada por Pompeo Posar. Su nombre artistico “Star” lo tomo de una canción de los Rolling Stones “Star Star” del album Goats Head Soup. La fama le duro muy poco ya que después de ser modelo de Playboy, las oportunidades nunca se presentaron y tuvo que trabajar primero de modelo hasta llegar a bailarina en innumerables barras show. Sus viajes iban desde Los Ángeles a Las Vegas y puntos intermedios. Finalmente, termino prostituyendose en las calles de la capital de Florida (Ft. Lauderdale) abusando del alcohol y las drogas. Su cadáver apareció en un callejón, a la par de The Coral Springs Eckerd Store, con señales de estrangulamiento. Tenía 40 años. De todas las “conejitas” que han terminado mal (que por cierto son muy pocas contrario a lo que piensan las mujeres) este es el caso mas dramático y desagradable y relacionado con la musica.

Curiosa foto del "Rooftop concert" de the Beatles

Extraordinaria foto del famoso (y ultimo) concierto de The Beatles en el techo de Apple Corps. Se puede identificar plenamente al joven Alan Parsons (entre Paul y John) quien fue el encargado del sonido en esa ocasion.

Syd Barrett, entre la genialidad y la locura

Syd Barrett es uno de los músicos más míticos y enigmáticos de la historia de la musica británica, nacido en Cambridge en 1946. A temprana edad, empezó a mostrar intereses musicales y pronto militó en bandas locales como Geoff Mutt and The Mottoes.

En 1963 Barrett se traslada a Londres para asistir a clases en la Camberwell School Of Art y al tiempo forma con algunos músicos el grupo The Hollering Blues, con influencias de Blues y Rock’n'roll. En esa misma época, Roger Waters, que tambien estaba estudiando en Londres, contaba ya con su propia banda llamada The Screaming Abdabs. Pronto contactó con Barrett para que se uniese al proyecto. El proyecto cambió su nombre por el de “The Pink Floyd Sound” a sugerencia de Barrett, tomando el nombre de dos famosos bluesmen americanos (Pink Anderson y Floyd Council).
En este grupo ya estaban Nick Manson (bateria) y Rick Wright (teclado) aunque con la incorporacion de Syd Barrett el grupo tomaría una dirección muy diferente a la del primitivo Blues-Rock que practicaban. El recién llegado, pronto tomó el control casi absoluto de la banda, convirtiéndose en el principal compositor, cantante y guitarrista de la formación, introduciendo inauditos elementos de experimentación y psicodelia que pronto empezaron a llamar la atención en sus actuaciones en Londres. Los conciertos eran complementados con imágenes y proyecciones en la parte de atrás del escenario, salidas de la fértil imaginación de Barrett.

En 1967 el grupo firma un contrato con EMI que les publica su primer single: “Arnold Layne” un excepcional tema compuesto por Barrett y que ya definía el sonido del grupo. Tremendamente extraño, experimental y con un magnetismo difícil de describir. El segundo single de la banda “See Emily Play” supuso un enorme éxito, lo que propició la entrada inmediata de la banda en los estudios Abbey Road para grabar lo que sería el primer álbum del grupo: “The Piper At The Gates Of Down”.

Este disco es considerado el mas claro exponente de la psicodelia británica, influenciado por la costa oeste americana, pero con sus propias señas de identidad. Aquí Syd Barrett dispuso ya de todos los elementos necesarios para plasmar sus extravagantes y originales ideas, al tiempo que se introducía de lleno en el consumo masivo de drogas, principalmente LSD, práctica muy habitual en el circuito londinense de la época, mientras el resto de banda tomaba una actitud mucho mas moderada.

En las composiciones de Barrett, se aprecia con claridad una nueva armonía en temas como “Interstellar Overdrive”, “Astronomy Domine” o “Lucifer Sam”, canciones propicias para alucinar que eran realmente originales y brillantes. Largos y complicados desarrollos instrumentales en los que destaca la peculiar forma de tocar de Barrett y el distintivo bajo de Roger Waters. Las letras de Syd Barrett son aquí complejos jeroglificos con referencias oníricas ciertamente sugerentes y extrañas. Barrett compuso todos los temas y fue el cantante principal en todas ellas. “The Piper At The Gates Of Down” es un disco único, que juega con la experimentación hasta límites desconocidos, introduciendo elementos y sonidos que luego serían imitados hasta la saciedad, traspasando el limite del rock para adentrarse en el Jazz, en ritmos étnicos y nunca antes escuchados. El disco tuvo un éxito casi instantáneo y el grupo empezó a tocar por todo el país y por los EE.UU.

Llegados a este punto es cuando la historia se vuelve confusa. Barrett había seguido tomando LSD y su estado psicológico se empezó a deteriorar en los meses de gira con la banda, arruinando algunas actuaciones del grupo con episodios psicóticos. Se suele citar como punto culminante, el colapso que sufrió en una entrevista para una cadena norteamericana, imágenes que dieron la vuelta al mundo.
Ante esta situación, la banda, con Roger Waters a la cabeza, disfrutando de un éxito que exigía plena concentración optó por sustituir a Barrett por otros músicos en las actuaciones en vivo, obligándose obviamente a reestructurar y adaptar todo el repertorio. Finalmente se optó, una vez que el grupo decidió entrar de nuevo al estudio de grabación, en dejar fuera definitivamente al líder indiscutible de la banda.
Syd Barrett fue substituido por David Gilmour y el grupo continuó su camino alejándose de las coordenadas psicodélicas del primer disco, en una carrera más comercial bien conocida por todos.

Syd Barrett desarrollo esquizofrenia, una situación discapacitante que le obligó a someterse a cuidados médicos y a retirarse a casa de sus padres. En 1970, no obstante, Barrett contactó con David Gilmour y le planteó la idea de grabar en estudio algunos temas que tenía completados. De esas primeras sesiones saldría prácticamente todo el material del primer disco en solitario de Syd Barrett, llamado “The Madcap Laugh”, producido por David Gilmour y con colaboraciones de The Soft Machine, Roger Waters y diversos músicos de estudio. Un disco extraño dominado casi en exclusiva por la guitarra y la voz de Barrett que navega por espacios de folk espectral, blues y rock con la soltura y convicción que solo él podía conseguir.
Destacan dentro de este conjunto tan heterogeneo de canciones las tomas de “Terrapin”, “Octopus”, “Late Night”, “No Good Trying” y “Love you” dotadas de irresistibles melodías y magníficos arreglos, el resto del material es bastante mas experimental y oscuro, algunos temas son simplemente esbozos sin completar, canciones extrañas difícilmente clasificables.
Las sesiones de “The Madcap Laugh” fueron complicadas, Syd Barrett se mostraba disperso y ausente en muchos momentos y fue necesario pinchar tomas una y otra vez, añadiendo arreglos solamente cuando la parte de guitarra y voz ya estaba grabada. Aunque lo cierto es que a pesar de todo, Barrett seguía mostrando una imaginación fuera de toda discusión y un entusiasmo por sus canciones que fue capaz de transmitir a todo el equipo. El disco salió publicado ese mismo año con escaso apoyo comercial de EMI y pocos se enteraron de su existencia, David Gilmour volvió con Pink Floyd y Syd Barrett se retiró a su casa. Quizás contra pronóstico, tan solo unos meses mas tarde, en Noviembre de 1970, Syd Barrett volvió a ponerse en contacto con EMI para grabar nuevos temas, la compañía de nuevo accedió, aunque esta vez se intentó por todos los medios dar un toque mas comercial a las composiciones, con vistas a una mayor repercusión mediática.

David Gilmour se volvió a unir al proyecto de Barrett. as nuevas sesiones fueron igualmente un relajo pero igualmente interesantes, con un ambiente marcado por la esquiva y fértil imaginación de Barrett, enfrascado en sacar adelante temas absolutamente geniales como “Baby Lemonade”, “Gigolo Aunt” o “Rats” junto a temas mucho mas extraños cercanos al espíritu de “The Madcap Laughs” como “Wined and Dined” o “Wolfpack”.
En Febrero de 1970, Syd Barrett grabó una actuación en el celebre programa de John Peel para la BBC acompañado por David Gilmour y Jerry Shirley interpretando temas de su primer disco como “Terrapin” pero centrándose en temas que luego aparecerían en “Barrett” como “Gigolo Aunt”, “Baby Lemonade” o “Effervescing Elephant. Este concierto es interesante porque los temas muestran matices distintos y porque Barrett se muestra bastante inestable durante la actuación, provocando cambios imprevistos difíciles de seguir por los músicos.

Tras la publicación de su segundo disco se retiró definitivamente y su figura fue poco a poco eclipsada por el enorme éxito mediático de Pink Floyd que alcanzó su cima a mediados de los 70 con discos como “Dark Side Of The Moon” o “Wish You Were Here”.

Syd se instaló permanentemente en casa de su madre. La naturaleza de su enfermedad y la influencia que tuvo ésta en su carrera y en su posterior desaparición permanecen por tanto en el más absoluto de los misterios. No hay un patrón fijo para describir o predecir el comportamiento y los pensamientos de un esquizofrénico y la ausencia de datos precisos sobre sus últimos años tampoco ayuda a solventar ese misterio.

En 1989, coincidiendo con una revitalización de la figura de Syd Barrett, se publicó el álbum “Opel”, una recopilación de temas inéditos y tomas alternativas de aquellas míticas sesiones de 1970, con lo que prácticamente todas las canciones han visto ya la luz. Estas canciones que siguen manteniendo un magnetismo y una magia difícilmente asimilable, envuelta para siempre en una inigualable leyenda de genialidad y misterio.

¿Mensajes Subliminales en la Musica?

El Backmasking, popularmente conocido como "mensajes al revés" y cuya traducción literal sería "enmascaramiento hacia atrás", es una técnica sonora en la cual, los sonidos son grabados a la inversa sobre una pista musical planeada para ser tocada hacia adelante. El backmasking es un proceso premeditado y causa de muchas controversias, especialmente relacionadas con mensajes subliminales en la música rock y pop. La práctica de manipular música grabada, comenzó a finales de la década de 1950 con la llegada de la musica concreta. Esta forma vanguardista de musica electronica, implicaba la edicion conjunta de fragmentos de sonidos naturales y automáticos.
Pero fueron los Beatles, quienes incorporaron las técnicas de la música concreta dentro de sus grabaciones, fueron los responsables de popularizar el concepto de Backmasking. John Lennon experimentó con la cinta de "Tomorrow Never Knows", canción incluida en el álbum Revolver, vuelta al revés. Lennon, que en aquellos tiempos estuvo habituado al uso de Cannabis, le agradó el sonido de la canción siendo tocada al revés y compartió los resultados con los demás miembros de la banda al siguiente día. Después escribió "Rain", con la intención de que la pieza fuese grabada completamente a la inversa; pero George Martin (quien afirma que fue él quien descubrió el efecto invertido) rechazó esto y solamente el verso final, quedó al revés.

En el otoño de 1966, el DJ Russell Gibb, recibió una llamada anónima, que dio origen a la leyenda urbana de que Paul McCartney habia muerto, según la cual, mediante la reproducción de ciertas grabaciones del grupo al revés, se podía descubrir mensajes ocultos. Un LP en particular, el White Album era el señalado de contener estos mensajes. Al final de la canción "I'm So Tired", se escucha un galimatías intencional, que supuestamente al revés versa "Paul is dead man, miss him, miss him..." (Paul es hombre muerto, extráñalo, extráñalo...) Asimismo, la repetición de palabras "Number nine, number nine, number nine..." (Número nueve, número nueve...) que aparecen en la canción Revolution #9, presuntamente se escucha a la inversa "turn me on dead man, turn me on dead man..." (Conviérteme en un hombre muerto o enciendeme hombre muerto...).

Otro ejemplo famoso de presunto backmasking, es el de la canción setentera "Stairway to Heaven" del conjunto de rock Led Zeppelin. Aparentemente si una parte de la canción es ejecutada a la inversa, se escucha "Here's to my sweet Satan" (Brindemos por mi dulce Satán). Todo ello iba encaminado a establecer unas supuestas relaciones entre Rock y Satanismo; sin embargo Swan Song Records (la casa discográfica del grupo), declaró: "Nuestros tocadiscos sólo tocan en una dirección—hacia adelante".

En 1985, la banda británica de Judas Priest, fue demandada debido a un pacto suicida cometido por dos estudiantes en Nevada. Uno de ellos sobrevivió, afirmando sus parientes en el litigio, que un álbum de 1978 de Judas Priest, contenía mensajes ocultos. Las palabras "Do it" (Hazlo), eran supuestamente audibles cuando la grabación se examinaba al revés y las letras del material gráfico - S U I - presumiblemente denotaban "suicidio". El caso fue desechado después de que se presentaron evidencias de que los jóvenes habían crecido en un ambiente violento y depresivo, y después la agrupación demostró que otros absurdos mensajes en reversa podían hallarse sí uno usaba suficiente imaginación. El juez indicó que "la investigación científica presentada no establece que el estímulo subliminal, aún si se percibe, pueda precipitar a una conducta de esta magnitud. Existen otros factores que explican el comportamiento del difunto, independientemente del estímulo subliminal." Los miembros de Judas Priest, también comentaron que si ellos quisieran insertar órdenes subliminales en su música, haciendo morir a sus fans, era contraproducente y que en dado caso preferirían introducir el mandato "Compra más de nuestros discos."

Mi opinión es que el backmasking (no intencional) no es valido. Argumento que una serie de sílabas aleatorias pronunciadas en diversos acentos, pueden ser plácidamente interpretadas como cualquier cosa y depende de la patología mental del escucha.

Me quedo con la frase del grupo cristiano de rock Petra, en su canción "Judas Kiss," introdujeron deliberadamente el mensaje "What are you looking for the devil, when you ought to be looking for the Lord?" (¿Por qué buscas al demonio, cuando debes estar en busca del Señor?). Buenisimo, ¿No? Proviniendo de una ideología que trata de vincular al satanismo con el rock.

En la película de Adam Sandler, Little Nicky, un personaje intenta demostrar que hay un mensaje satánico oculto en un álbum de Ozzy y hace girar un LP al revés. En este punto, Nicky - que es uno de los hijos del demonio - dice que “...Ozzy fue siempre honesto con sus mensajes acerca del diablo..” y que no necesita poner mensajes al revés.

20 most annoying songs ever!

De acuerdo con "The Rolling Stone Magazine” las 20 canciones mas fastidiosas de todos los tiempos son:

1. Black Eyed Peas, “My Humps” 2. Los del Rio, “Macarena” 3. Baha Men, “Who Let The Dogs Out” 4.Celine Dion, “My Heart Will Go On” 5. Nickelnack, “Photograph” 6. Lou Vega, “Mambo No. 5″ 7. James Blunt, “You’re Beautiful” 8. Spice Girls, “Wannabe” 9. Sisgo, “The Thong Song” 10. Cher, “Believe” 11. Aqua, “Barbie Girl” 12. Chumbawumba, “Tub Thumper” 13. Rednex, “Cotton-Eyed Joe” 14. Eiffel 65, “Blue” 15. Crash Test Dummies, “Mmm Mmm Mmm Mmm” 16. Meatloaf, “I Would Do Anything For Love (But I Won’t Do That)” 17. NSYNC, “Bye, Bye, Bye” 18. Ricky Martin, “Livin’ La Vida Loca” 19. Semisonic, “Closing Time” 20. Wham!, “Wake Me Up Before You Go-Go”

Me permito agregar a tan selecto grupo de canciones y cantantes:

1. Come on Eileen, de Dexy’s Midnight Runners. Esta canción ganadora de un Grammy, cumple lo dicho por uno de los integrantes del grupo cuando recibieron dicho premio: “Va a pasar mucho tiempo hasta que alguien haga una canción como esta”. Por supuesto! Quien en su sano juicio querría hacer una canción como esta, que es simplemente espantosa y disonante. Las voces desafinadas y el ritmo nauseabundo la definen como la canción que jamás debió ser concebida.
2. The Final Countdown, de Europa, esos horrorosos sintetizadores repetitivos y sin variantes, y encima de todo, combinados con la voz chillona del solista. Hasta en los años 80's era mala!
3. We Build This City, de Starship, canción que se distingue por coros con eco que exasperan los nervios, letra insulsa y las vanas repeticiones de acordes. Nada que ver con las canciones de este grupo cuando se hacían llamar Jefferson Airplane en los 70s.
4. Kokomo, de los Beach Boys. El mejor ejemplo que un excelente, exitoso y armónico grupo puede hacer porquerías. Una canción de los chicos de la playa, que habla de nombres de playas, que originalidad!
5. Hey Mickey! de Toni Basil. Una profanación de la onda sonora; aterradora y escalofriante para cualquier oído. Es cierto que es una canción para bailarla pero hasta para eso hay que tener armonía.
6. Cherry Pie, de Warrant, canción de un grupo ochenteno pseudo metálico - pseudo pop que al final nunca fue nada. Canción con letra vulgar, haciendo la analogía de la vulva con un pastel de cereza. Que mal gusto!
7. Footloose, de Kenny Loggins, Como la mayoría de canciones para películas, pésima. Al escucharla parece que nos han puesto sanguijuelas directamente al área auditiva del cerebro y luego nos las han quitado con acido muriático.
8. En Español: Rápidamente los nombres de las canciones, ya que solo con mencionarlas, se me activa el reflejo nauseoso: El Mariachi Loco, El Besito Cachichurris, El Gato Volador, El Meneito, Pégame Tu Vicio, Mayonesa y el Asereje.
9. Sin misericordia alguna, por el daño irreversible que le han hecho a la cultura musical: Toda la música estilo Banda, Duranguense, Bachata tipo Toros Band, Reggeton y Perreo. Toda la música de Temerarios y Kumbia Kings. Toda la música de Ricky Martin, en especial “She Bangs”. Toda la música de Julieta Venegas, Alejandra Guzmán “La Reina del Rock” ¿Quién la bautizo? y Gloria Trevi. Sin excepción alguna. Principalmente cuando cantan en vivo.
10. Finalmente, y con mención honorífica, la espantosa e inaceptable forma de cantar de Eros Ramazzoti. Su peor pecado: La canción a duo con Ricky Martin con un mensaje para la humanidad, más falsa que la figura de Sabrina Sabrok.

Sesion Fotografica en Abbey Road 1969

El album Abbey Road de los Beatles tiene una de las portadas mas características y reconocidas mundialmente. Seguramente se equipara a la del Stg. Pepper's Lonely Hearts Club Band, aunque la de Abbey Road fue fruto de la improvisacion. El título del álbum corresponde, por supuesto, a la calle donde estan los estudios de EMI que es donde los Beatles grabaron casi la totalidad de sus canciones. El LP iba a llamarse "Everest", en honor a la marca de cigarrillos que fumaba Geoff Emerick. De hecho se planificó un viaje al Himalaya para fotografiar la portada. Sin embargo, a medida que el disco parecía más cercano a su conclusión, alguien dijo: "Oye, ¿por qué no salimos ahí fuera, hacemos la foto de la portada, y llamamos el disco simplemente Abbey Road?". Asi fue como el 8 de agosto de 1969, Ian McMillan se subió a una pequeña escalerilla para hacer la foto de los cuatro Beatles cruzando el paso de cebra más famoso de todos. Abbey Road tiene bastante tráfico, y tan solo se sacaron 6 fotos. El Volkswagen (con la matrícula LMW 281F) solía estar aparcado allí a menudo y era propiedad de alguien que vivía en los pisos de al lado del estudio. Luego de la publicacion de la foto la placa del vehiculo fue robada varias veces. Actualmente el escarabajo esta en el Museo de la Volkswagen en Alemania. Los trajes, eran simplemente los que llevaban los Beatles ese día al estudio. Paul, que vivía bastante cerca, había aparecido con sandalias, y de hecho en una de las fotos las lleva puestas. Como una última curiosidad, la contraportada del LP corresponde a un cartel de la calle que desapareció hace bastante tiempo. La palabra BEATLES se añadió posteriormente, en foto montaje, a una foto del cartel también tomada por Ian McMillan.

¿Amor o Acoso?

La canción “Every breath you take” de Police, por sus ritmos suaves y cadenciosos, es usualmente considera una cancion de amor. Incluso es tocada en las fiestas de bodas, algunas veces como la canción que bailan los novios, para ratificar sus votos de matrimonio. Lo ironico de esto, es que esta cancion es alarmantemente siniestra. Si escuchamos o leemos bien la letra, nos damos cuenta que narra la obsesión perversa de un ex – amante que le advierte a su ex – pareja, que haga lo que haga, por mas minimo que sea, “la va a estar observando”. La letra de esta cancion es realmente un “himno del acosador” de acuerdo con la opinión de expertos en el tema. Sting dijo en una entrevista a la BBC respecto de esta canción “Creo que la cancion es muy pero muy siniestra y fea. Las personas la han malinterpretado como una cancion de amor.”

Forever 27 Club

Una inusual foto (al menos para mi que nunca la habia visto) de dos grandes musicos: Brian Jones, el genio compositor e interprete de la mejor epoca de The Rolling Stones y Jimmy Hendrix quien no necesita presentacion. Ambos muertos por sobredosis a los 27 años de edad. El 27 club tambien tiene entre sus miembros a Jim Morrison, Janis Joplin, Kurt Kobain, Robert Johnson y a otros 29 musicos de rock, R&B, pop y baladas. ¿Una edad peligrosa?