¿A mi manera?

A raíz de mí escrito sobre la canción “Mujeres Divinas” he recibido algunos comentarios de amigos y amigas, todos válidos y bien intencionados por supuesto, que me convence que todavía hay personas que escuchan la música y no simplemente la oyen. Pero platicando de esto en un antro, con vista a la sexta avenida de la zona 1, en un ambiente bohemio, entre oriental y minimalista, que hace permisivo el torrente de palabras en desiertos de ideas, recibí un comentario, de una mujer, que me dijo: “...obviamente esa canción si es en contra de las mujeres…pero las mujeres la pedimos y la cantamos porque se la dedicamos a los hombres…” Y debo ser sincero, no entendí lo que me quiso decir. ¿Es en contra de ellas y nos la dedican? ¿Cómo así? Una vez más confirmo el aforismo posmoderno que dice que no hay que tratar de entender al pensamiento venusiano.

Pero hoy quiero escribir sobre otra canción que escuche precisamente en esa reunión, muy popular, ampliamente conocida, multiversionada y cantada por miles de artistas alrededor del mundo, pero que contiene un sofisma inmanente y que a mí en lo particular me cae mal. Pero leamos algo de la canción:

“A mi manera” es un tema adaptado por Paul Anka de una canción francesa llamada originalmente "Pour moi”. El autor original es Jacques Revaux quien la escribió en 1967 para la vocalista Dalidá pero a esta no le gustó. El autor decidió entonces mostrársela a un cantante amigo suyo llamado Claude François quien la retocó y la terminó titulando "Comme D'habitude". La canción original hablaba del alejamiento y rutina que se produce en algunos matrimonios. La canción ya retocada pego en Francia ya que se vendieron cerca de 225.000 ejemplares. Se dice que Paul Anka estaba veraneando en Francia, la escuchó por la televisión y se enamoró de su melodía, tanto es así que consiguió la exclusiva editorial de "Comme D'habitude", en inglés, al comprarla en un lote de canciones. Él modificó la letra y cambió su sentido. También en el Reino Unido se realizaron varias adaptaciones de esta canción, uno de los encargados en esta tarea fue un joven y novato llamado David Bowie que hizo una versión titulada "Even A Fool Learns To Love". Bowie quiso lanzarla como su sencillo pero desde Francia presionaron para que fuese un cantante "famoso" quien la lanzase en inglés.

En 1968, Paul Anka, durante una fiesta, le enseño a Frank Sinatra la obra que había modificado y Sinatra señaló que esa canción era lo que necesitaba porque potenciaba su imagen de vividor, capaz de pasarse al mundo por el arco del triunfo y sin importarle un comino las consecuencias. Paul Anka registró "My Way", el 30 de diciembre de 1968, con arreglos de Don Costa. Su siguiente LP salió al mercado con el título de esta canción. Lo cierto es que este tampoco fue el tema que más éxito alcanzó en esa época, era otra melodía europea la que cosechaba más triunfos: "Strangers In The Night". Pero finalmente “My Way” se convirtió en himno para muchísimos cantantes como Frank Sinatra, Elvis Presley y Tom Jones.

En Hispanoamérica fue Roberto Livi, argentino (el autor de 40 y 20, Toco Madera, Como han pasado los años; y muchos éxitos más) quien la adapto magistralmente y es la versión más conocida. A mi criterio la versión mejor musicalizada como balada en español es la de “Nubes Grises” y nada que pedirle a la versión de Gipsy Kings escuchada en el Circus de Panajachel.

Bueno pero ¿Porque me cae mal? Para mi gusto es larga y aburrida, la letra es compleja y no es fácil recordarla. Generalmente ebrios y ebrias solo alcanzan a repetir: “…a mi maneeeeraaa…” y no escuchan las frases que ayudaron a la caracterización que hace Frank Sinatra de ella.

Es, por otro lado, una canción que gusta a la mayoría simplemente porque si. Nunca la han analizado y la oyen como oír llover hasta que viene el "...a mi maneeeraaa...". Algunos que medio la cantan les gusta por varias razones (y me disgusta a mí por eso precisamente). Son personas frustradas con baja autoestima, que ven el mundo en retrospectiva porque no tienen nada que mostrar en el presente. No se arrepienten de casi nada de lo que hicieron porque, simplemente, no hicieron nada. Sus hazañas, si es que sucedieron (porque nunca las cuentan cuando hay personas que los conocieron es esas épocas), ya no tienen significancia en el presente.

Algunas son personas que les encanta que los admiren en retrospectiva: “…cuando yo era joven, hubieran visto muchá… JA… si me hubieran visto hacer tal y cual cosa…”. Otros la toman como una canción de despedida porque solo se saben las primeras dos frases: “El fin se acerca ya, lo enfrentare serenamente…”. Otros que ya se sienten viejos y creen que tienen el derecho de ser cínicos y soberbios, quieren decir algo así como “…no me arrepiento de lo que hice y lo hice a mi manera…” presentando una imagen de medio irresponsable, adolescente tierno, tu ama de casa y yo trovador, pero que en la realidad no tuvieron alternativa de hacer otra cosa. O díganme: ¿Quién realmente vive a su manera? Nadie! Solo los psicóticos viven a su manera pero a un costo social altísimo. Y es que allí está el sofisma. Nadie vive a su manera porque vivimos en sociedad. No me creen? Empiecen hoy a “vivir a su manera” y me cuentan quien les brinca primero… se van a sorprender… generalmente es con quien viven, otras veces los hijos, o los padres, la novia, el resto de la familia, amigos alienados, matrimonios en victoria y otros actores que tratarán que usted no se salga del guacal, porque eso les afectaría. Si cantarla les sirve como catarsis pues ¡Cantadla joder! Aunque sea con mariachi que nunca la cantan completa. Por eso me gusta la versión de Gipsy Kings ya que no se les entiende nada!

Hasta mi próxima neurosis musical y recuerden que si quieren vivir a su manera como dice la canción, suelten amarras, pongan oídos sordos a la culpa y dirijan su barco (llamado libertad diría Perales) hacia el mar abierto. Me cuentan cuanto duran en su aventura! Y cuando regresen, mínimo, que hayan vivido lo de Sorba el griego!

Mujeres ¿Divinas?

Hoy les quiero compartir uno de mis disgustos musicales. Es una de esas canciones que solamente al calor de los tragos se puede tolerar. Esa canción, cuando inician sus acordes, no me enoja...realmente… ¡Me encachimba!  Déjenme explicarles porque.

Su efecto en mí, es casi como oír una canción de Justin Bieber. Pero lo que más me pone de malas, es cuando todo es risas, chistes, alegría y buen ambiente en el antro, de pronto aparece un mariachi; y no falta la disléxica, generalmente ebria, que pide a grito limpio: "¡'Mujeres Divinas'!"
 

Y yo me pregunto ¿Pero qué le pasa?.. ¿Qué su cerebro no procesa las palabras que esa canción dice? Cuando una mujer le pide a un mariachi ese tipo de canciones contribuye, a que nosotros los hombres, pongamos en seria duda su capacidad del supratentorio. Lo peor es que ella y las comensales se ponen a cantar la canción…muy profundas ellas…muy orgullosas de sí mismas…cerrando los ojos...una mano en el pecho y la otra al aire como señalando el techo, esperando la última línea, para gritarla y creer que ellas son una de esas mujeres divinas que dice la canción.

El hombre, mas cabrón que bonito, muchas veces toma la iniciativa de pedirla, con fines bastante lineares: Le gusta la canción + la complazco  = sexo.  ¿Misoginia? No mis gordas, no mis amores, la misógina es la canción por eso no me gusta! Solo analicemos:

Hablando de mujeres y traiciones
se fueron consumiendo las botellas
pidieron que cantara mis canciones
y yo cante unas dos en contra de ellas

O sea que es valido: (Mujeres + traiciones) = (consumir botellas + cantar en contra de ellas)

De pronto se acerca un caballero
su pelo ya pintaba algunas canas
me dijo le suplico compañero
que no hable en mi presencia de las damas

Una voz de autoridad (hombre + caballero + canas), con actitud machista "en su presencia", pide que no se hable de las mujeres pero se le contesta:

Le dije que nosotros simplemente
hablamos de lo mal que nos pagaron
que si alguien opinaba diferente
seria porque jamás lo traicionaron

El hombre “simplemente” habla de lo mal que pagan las mujeres y que una opinión diferente seria el hipotético “jamás lo han traicionado”, situación que se desmiente en el siguiente párrafo:

Me dijo yo soy uno de los seres

que más ha soportado los fracasos
y siempre me dejaron las mujeres
llorando y con el alma hecha pedazos.

Aquí no se necesita mayor explicación solo resaltar (Mujeres + fracasos + siempre + llorar + alma hecha pedazos)

Más nunca les reprocho mis heridas

se tiene que sufrir, cuando se ama
las horas más hermosas de mi vida
las he pasado a lado de una dama.

El refuerzo temático aquí es: (Heridas + sufrir cuando se ama a las mujeres) Si a esta altura de la canción, el caballero considera que esto ha sido lo más hermoso que le ha pasado, evidentemente tiene un gran problema de codependencia, baja autoestima y madre castrante, entre otras patologías.

Pudiéramos morir en las cantinas
y nunca lograríamos olvidarlas
mujeres o mujeres tan divinas
no queda otro camino que adorarlas

A priori, la mayoría de hombres viven en las cantinas y mueren en ellas porque les encanta libar y andar de rumba, o porque ya están enfermos de alcoholismo y no porque las mujeres les hagan la vida de cuadritos. Las mujeres se convierten en una excusa cliché apoyada por infinidad de películas y canciones mexicanas.

 

(Morir + nunca poder olvidarlas) es la clásica caracterización del machista de la “mujer fatal” ante la cual no hay escapatoria, pero si no hay reciprocidad, pues, a acosarlas.

 
A esta altura del análisis, ¿No les parece que decir “mujeres o mujeres tan divinas” es con cierto sesgo sarcástico?

¿No queda otro camino que adorarlas? A mujeres así caracterizadas en la canción, pues no necesariamente, se puede simplemente ignorarlas u odiarlas, y buscar otras opciones con las cuales se puede ejercer el derecho a la compañía, la reproducción y el placer. Dice el dicho que mejor solo que mal acompañado.
 

Pero más allá de la sarta de tonteras que dice esta canción, siempre me sorprenden las mujeres que tienen esta canción como himno y se emocionan cuando la cantan. ¿Es que se consideran traicioneras, mal pagadoras de amores, infieles, pérfidas, malvadas, arruina vidas, inductoras a los vicios? Si es por eso, pues, que bien, sigan, pero si no, mejor no la pidan, ni la canten.

Hasta mi próxima neurosis musical, y por favor... siempre analicen lo que dicen las canciones antes de pedirlas o que se las dediquen!

Otro que cruza la puerta...

Si el viaje en el tiempo fuese posible hoy, a muchos nos gustaría trasladarnos a 1965, a la playa de Venice en California, en donde Ray Manzarek –en ese tiempo estudiante de cine- conoció a un poeta llamado Jim Morrison con quien decidió formar una banda. Ray, como coautor de temas como «The End», «Light My Fire»,«People Are Strange» o «Riders on the Storm», ha pasado recientemente a la inmortalidad junto a Morrison. The Doors se convirtió, al poco tiempo, en una de las bandas de rock psicodélico más famosas y controvertidas de la historia. Hoy su música es aún referente a pesar que han pasado décadas desde su disolución.

Y es que The Doors fue siempre una banda extraña desde el punto de vista técnico. Robby Krieger solo sabía acordes de guitarra flamenca y tocaba la guitarra eléctrica a mano limpia. El baterista, John Densmore solo sabía tocar Jazz al principio. No tenían bajo y era Manzarek quien tocaba los acordes con la mano izquierda en el teclado mientras llevaba la melodía con la otra. Al final de los dias de la banda, todos sus miembros tenían que improvisar para tratar de seguir a Morrison en sus desvaríos en el escenario. Una tarea titanica!

El grupo ha vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo. En 1993, The Doors entraron en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

«Me ha entristecido profundamente la noticia de la muerte de mi amigo Ray», ha explicado Robby Krieger, «Me siento feliz de haber tocado canciones de The Doors con él durante la última década. Ray fue una parte enorme en mi vida y siempre le echaré de menos», agregó.

Ray Manzarek, reservado, poco confrontativo, siempre agachado sobre su teclado, escribió sus memorias en el libro, «Light My Fire: My Life with The Doors», en 1998. Fue muy criticado, por parte de medios especializados, porque el sonido de su teclado sonaba a música de feria. Trató de mantener a flote a la banda luego de la muerte de Morrison y ejercer incluso como vocalista de la formación. Publicó trabajos en solitario como «The Golden Scarab» (1973) o «Carmina Burana» (1983) y colaboró con otras bandas como Nite City. También produjo el alabado trabajo punk «Los Angeles», de la formación X, en 1980.

¿Música Cristiana o Letra Cristiana?

A raíz de mi artículo (ver abajo) sobre la muerte del fundador de Slayer y la crítica que hago hacia una noticia de prensa, donde se lee que una iglesia atribuye la causa de su muerte a un castigo de Dios; un amigo, buena gente, tranquilo, hombre de familia, bien intencionado pero muy mal informado, quien recientemente cambio su alucine por otro, me comento que –efectivamente- tal como lo menciono en el artículo, la música tiene como fin generar emociones pero que “solo la música cristiana genera emociones que son de Dios” y que el resto es “música del mundo que no es de Dios”.

Mi reacción inicial fue informarle que no existe en la música algo llamado “música cristiana” ya que generalmente se acepta que existen tres grandes géneros de música: Culta, popular y tradicional. Dentro de los subgéneros están con los que estamos más familiarizados: Pop, Rap, Ska, Salsa, Cumbia, Bolero, Balada, Rock & Roll, Blues, Flamenco, Jazz, Clásica, Sinfónica, Ranchera, Heavy Metal, Carnavalito, Samba, Son, Guaracha, Huapango, entre otros, ninguno tiene el apellido cristiano. 

Y es que la razón es muy sencilla, no hay “música cristiana” asi como no hay "musica catolica" sino música -de cualquier género- con letra religiosa, es decir, el término mas correcto seria “música religiosa” aunque esto no es sine qua non de genero o subgenero. Nosotros, como nacimos en Guatemala, le ponemos el apellido de “cristiana” pero si hubiéramos nacido en la India seria “hindú”, si hubiéramos nacido en Pakistán seria “musulmana”, etc. Si a la música religiosa le pusiéramos el apellido de las 3,500 religiones que existen, humm, sería un poco complejo, ¿Verdad?.

El hecho que grupos religiosos hayan evolucionado de las panderetas a bajos y guitarras eléctricas, teclados, percusiones y equipos de amplificación mal ecualizados y que tomen, por ejemplo, la música de Los Iracundos y le cambien la “letra del mundo” por letra cristiana, no le cambian a la balada ni un ápice de su subgénero. Sigue siendo una balada con otra letra. Pero hay mucha música religiosa por allí, de cantautores nacionales e internacionales, que en un 90% aproximadamente son baladas ritmicas y el resto son covers de música popular y tradicional. No sé por qué no le entran a la música culta.

Igual no creo haber convencido a mi amigo, solo me preocupa pensar que él quiere estar encargado de la alabanza en su iglesia…para mejorar los coritos dice...Oh mai Gosh! como dicen los cheles.

Causa de Muerte del Siglo XIII

El guitarrista y fundador de Slayer, Jeff Hanneman, falleció este jueves 2 de mayo en un hospital cercano a su casa en California. De acuerdo con las publicaciones, llevaba casi dos años alejado de los escenarios por problemas de salud en una pierna por una picadura de araña. Muere a los 49 años por insuficiencia hepática como complicación de una fasceitis necrotizante, que consiste en una infección severa secundaria a la destrucción del tejido y la coagulación masiva, como efecto del veneno de la araña. Nacido en 1964, fundó la banda en 1981 junto al guitarrista Kerry King, a los que después se unieron el vocalista Tom Araya y el baterista Dave Lombardo. Los cuatro hicieron del grupo uno de las bandas fundamentales del Thrash Metal, junto a Metallica, Megadeth y Anthrax.

¿Causa de la muerte para los Homo Sapiens? Insuficiencia hepática debido a fasceitis necrotizante debido a picadura de araña. O en todo caso, y por aquello de pensar en lo mas comun y menos complicado, pues le daria una cirrosis por beber en exceso. Pero, sorprendentemente, en pleno siglo XXI sale una noticia de prensa, que cual viaje en el tiempo nos traslada al siglo XIII o antes. Según esta noticia la causa de la muerte es “Castigo de Dios”.

En la edad media, cuando Guido D’Arezzo distribuyó la escala musical tal y como la conocemos hoy, se encontró con un dilema. La Iglesia determinó que el Tritono, el cual se encuentra en la escala mayor como el intervalo formado entre el cuarto y séptimo grados de la escala (por ejemplo, Fa y Si en la tonalidad de Fa mayor), era el “Diábulus” en la Música. ¿Y porque? Pues porque esta tonalidad da un sonido calificado como “Macabro” por aquellas lumbreras del intelecto y se prohibió en todas las composiciones de la Iglesia. Para evitar que este fenómeno sucediera, se ordenó prescindir de la nota sensible de la escala, que en el caso de Do Mayor es Si.

Posteriormente, ya en el siglo XX, poquito menos irracional en este sentido, hemos visto como cualquier estilo de música, que suponga una confrontación a lo establecido y moralmente “correcto”, ha sido satanizado. Desde los bailes de cadera de Elvis Presley que alarmaron a los gringos, hasta bandas como The Doors o Led Zeppelin que han sido acusados de pervertir a la juventud. No digamos Kiss o Marilyn Manson. Hasta The Eagles fueron acusados de satánicos por Hotel California (Creanlo o no las generaciones jovenes).

Muchas iglesias se quejan que la música rock hace sentir en los jóvenes “emociones indeseables”. Emociones que provocan las guitarras con distorsión, los redobles de la batería, los solos de guitarra… pero, el asunto es que la música siempre ha tenido como fin generar emociones, la música clásica genera cierto tipo de emociones, el jazz otras, el rock y el metal también.

Creo que a los religiosos ultraconservadores les falta aprender que hay que atacar los problemas de raíz y no los efectos, ¿sus hijos reciben cariño en su familia?, ¿los atienden sin sobreprotegerlos?, ¿les enseñan a tener fortaleza para enfrentarse a la vida real y no a mundos imaginarios? Esas preguntas son más importantes que preguntarse si ¿mi hijo se va a suicidar por escuchar a Judas Priest?

En este sentido, el pensamiento religioso es tan irracional, que si un joven bailando el Moonwalk, no se dio cuenta que atrás de él había unas escaleras, se cayó y murió, entonces Michael Jackson tuvo la culpa. Es un baile del demonio. La música tiene la culpa del mal comportamiento de los jovenes, ¿La matanza de Columbine? ¿Otras matanzas perpetradas por jovenes? La culpa es de la música que escuchaban los patojos y dado que la Asociación Nacional del Rifle es demasiado poderosa para enfrentarse con ella, pues la mayoría de las personas culpan también al juego Doom. Mi hijo escucha a The Smashing Pumpinks y a The Mars Volta, entre otros. Yo escucho a Black Sabbath, Gorgoroth y a Cannibal Corpse, entre otros, ¿Merecemos un castigo por ello?

The only band that matters

Contrastanto dramaticamente con el nihilismo de The Sex Pistols y la sencillez de The Ramones, The Clash representa la primera oleada de bandas inglesas de punk-rock con contenido politico, anti-anarquismo y de compromiso social en su mensaje. Siempre protestaron en contra de la aristocracia, la monarquia y el nihilismo. Fue el 8 de abril de 1977 cuando se lanzo su primer LP en Inglaterra. Su exito fue inmediato aunque en Estados Unidos fueron conocidos hasta finales de 1979 por considerar que su mensaje era demasiado "rudo y crudo". Luego se posicionaron mejor durante los años 80s. Lamentablemente se separan en 1983 pero su influencia ya estaba dada.

Bandas que le deben a The Clash: Green Day, U2, Pearl Jam, Arctic Monkeys, The Strokes, entre muhcos otros. Su tercer album "London Calling" es considerado por Rolling Stone Magazine como el 8avo. mejor album (de 500) de todos los tiempos. En 2003 fueron inducidos al Salon de la Fama del Rock And Roll.

Sus mejores canciones: "London Calling" numero 15 (de 500) de acuerdo con The Rolling Stone Magazine del listado de mejores canciones de todos los tiempos. Este puesto es el mejor para una banda punk. De la misma forma: Should I Stay or Should I Go, Train in Vain, Tommy Gun y por supuesto Complete Control.

Probablemente (e ironicamente) fue CBS quien mejor los ha definido: The only band that matters (La unica banda que importa). La razon, aparte de la influencia musical, nunca abandonaron sus ideas y fueron consistentes en su actuar. Hay que verlos en vivo, realmente buenisimos. Contrario a la muestra de frustracion, ante un bajo defectuoso, que aparece en portada, nunca rompieron instrumentos en el escenario ni promovieron la violencia usual en bandas de punk.

Lagrimas en el cielo

Un 20 de marzo, el hijo de Eric Clapton, Connor, de 4 años de edad, cayo accidentalmente por una ventana del piso 53 de un edificio de apartamentos en Manhattan. ¿Que mayor dolor que perder a un hijo? Simplemente no imaginable y menos en esas circunstancias. Se supone que nuestros hijos e hijas nos deben enterrar a nosotros y no nosotros a ellos, deben fingir que estan tristes en el velorio y en el entierro y hablar de "lo bueno que eramos o lo bueno que debimos ser". Algo asi como la "Ley de la vida" y en mi humilde opinion, el "cliche" necesario para que los familiares no tilden a los hijos de desagradecidos y otros epitetos.

Sin embargo, Eric Clapton, estoico, britanico, inteligente y educado, sin manejar culpa hacia el mismo o hacia Lori del Santo, la madre, y sin manejar culpa hacia los dioses, logro superar el duelo normalmente y lo canalizo en lo mejor que el sabe hacer: Musica. Sanamente en una cancion: Tears in Heaven. Esta rola basicamente habla de si Connor lo ira a reconocer como su padre cuando se encuentren otrora en el cielo. Que fumada pero aceptable. Esta rola esta incluida en el MTV Unppluged de Clapton de 1992 y conjuntamente con el remake de Layla, arrasaron con los Grammy. Cada vez que Clapton recibia un premio se lo dedico a Connor. Dentro de la tragedia, el resarcimiento.  A mi criterio este es el "desenchufado"  #2 de todos los tiempos. El #1 es el de Nirvana. Sin dudas!

Too young to die...

Un 19 de marzo muere Randall William "Randy" Rhoads. Destacado guitarrista que toco en la banda Quiet Riot y luego, en su época más productiva, con Ozzy Osbourne. Sus solos, en los temas Crazy Train y Mr Crowley se ubican en la posición 9 y 28, en la lista de los 100 mejores de todos los tiempos de acuerdo con la revista Guitar World. De acuerdo con Time Rock, Randy Rhoads es uno de los guitarristas que debes escuchar antes de morir, ubicado en el puesto #2 por arriba de Tommy Iommi y Jimmy Page.

 

Su carrera con Ozzy nos deja dos joyas: Blizzard of Ozz y Diary of a Madman. Lamentablemente, hace 30 años, la banda se dirigía por tierra a un festival en Orlando, Florida. Se detuvieron en un área de descanso dotada con un aeropuerto. Una vez allí, Andrew Aycock, conductor del autobús de la banda, decidió llevar a Randy y a una maquilladora de la banda, Rachel Youngblood, a dar un paseo en una avioneta. Sobrevolaron varias veces el autobús de la banda, hasta que una de sus alas lo golpeó. El golpe con el ala causó una desviación de la aeronave hacia una casa que había en el área de descanso.

El choque produjo un incendio e hizo perder la vida a los tres ocupantes de la aeronave. Aycock tenía un permiso de vuelo vencido y había consumido cocaína de acuerdo con la necropsia. No se encontraron evidencias de que Randy Rhoads hubiese consumido esa u otras sustancias ilícitas, solo restos de nicotina se detectaron en su cuerpo. Su contribución a la música: Incorporar la música clásica en su forma de tocar y al heavy metal, al igual que hizo Ritchie Blackmore en su tiempo, pero sin el apoyo mediático que convocaba Ozzy. Tenia 26 años.

Vale la pena escucharlo!!! ¿No me crren? entren a youtube y tecleen:  Randy Rhoads: Mr. Crowley LIVE HQ Best Quality.  Vean la expresion de Ozzy con el solo de cierre. Eso nada lo compra ni lo paga!.

PS. Igual un 19 de marzo muere, solo que en 1976, Paul Kossof, excelente guitarrista de Free, clasificado como el #51 de los 100 mejores dde todos los tiempos de acuerdo con Rolling Stone. Igual tenia 26 años. Muere dentro de su contexto: sobredosis y falla cardiaca.

Piedra Angular de la Psicodelia

El 1 de marzo de 1967, la banda británica Pink Floyd inicia sus sesiones de grabación para su álbum debut al que llamaron ''The Piper At The Gates Of Dawn'', en Studio 3, Abbey Road Studios, Londres, con la discográfica EMI Records. El productor fue Norman Smith. Este álbum es considerado el primero de la corriente musical que posteriormente se llamo rock psicodélico. Syd Barret fue el compositor, arreglista y vocalista de la mayoría de los temas con aportes de los otros miembros de la banda. El álbum contiene letras caprichosas sobre el espacio, gnomos, bicicletas y cuentos de hadas, acompañadas de amplias secciones de música psicodélica instrumental. 

 

El título del LP proviene de uno de los capítulos de un libro que Barret leía de joven: The Wind in the Willows de K. Grahame. En este álbum se aprecia por primera vez el gusto de Barrett por las letras basadas en asociaciones mentales espontáneas, algo así como la experiencia de un viaje con substancias psicotrópicas.
 

The Piper at The Gates of Dawn es uno de los discos más influyentes en la historia de la música. Su avanzado sonido, experimentación y combinación de distintos géneros como rock, pop y folk ha inspirado a distintos artistas. La exploración sónica del disco es absoluta: cuenta con cambios de métrica (pasando del regular 4/4 a métricas como 11/8). También podemos encontrar progresiones de acordes inusuales (como en Astronomy Domine) y escalas poco comunes en la música popular como en Matilda’s Mother. Sin dejar de mencionar las absolutas improvisaciones en Interstellar Overdrive y Pow R. Toc H. El álbum fue inicialmente recibido con críticas frías, pero con el paso del tiempo se ha ganado un lugar en el olimpo de la música. G. Starostin afirmó que este álbum es "La Biblia Astral de la Psicodelia” (y sin Gilmour). 

 

En la imagen miramos el primer acetato de 12 pulgadas que se imprimio del master, para verificar calidad, previo a su reproduccion masiva. Notese la etiqueta de EMI, llenada a mano, indicando que es 33 RPM y monoaural!. Posteriormente las reediciones en "A Nice Pair" y solas ya fueron en estéreo.

 

Si yo hiciera un viaje espacial a Neptuno, para buscar a la nave “Event Horizon” que ha regresado de su salto cuantico, viajando a la velocidad de la Voyager 2, sin animación suspendida y si solo pudiera llevar un disco, me llevaría The Piper At The Gates of Dawn. ¿Y ustedes?  

Mas que musico...un artista

Hoy, hace 53 años, nació uno de los diez mejores artistas de la música contemporánea. Nació un 13 de febrero de 1950, en el seno de una familia de clase media en Londres. Militó toda una década en la banda que él mismo fundó y donde consolidó su habilidad para fusionar el rock con el teatro sobre los escenarios: Génesis. Banda de rock progresivo por excelencia. Después de varios álbumes, donde aporto la mayoria de las letras y conceptos, publica The lamb lies down on Broadway, último trabajo con Génesis estando el al frente de la banda. Queda en su lugar un imitador mediocre y el grupo pierde su esencia y finalmente palidece.

 

Publicaría 4 álbumes, usando su propio nombre como título, donde destacaron canciones como Biko, un homenaje al activista surafricano asesinado por la policía Stephen Biko y que se convirtió en himno de protesta de los años 80. Fue con Sledgehammer, que llegó finalmente al número uno, cuando obtuvo su gran éxito comercial. Para muchos el más completo.

Al mismo tiempo apoyaba en su magnífico estudio RealWorld a músicos no occidentales como Youssou N'Dour, y organizaba festivales como el reconocidísimo WOMAD (World of Music, Arts and Dance) o giras con artistas como Sting o Tracy Chapman entre otros, a favor de Amnistía Internacional.

Hizo temas en bandas sonoras como la de la película "La Ultima Tentación de Cristo", con Grammy incluido. Y cuando en 1992 ya se esperaba un retiro de los escenarios, aparece uno de sus grandes trabajos "Us" con videos impactantes y ganador de otro Grammy. Innovador, creativo, comprometido, multifacético, arriesgado y vanguardista, así es Peter Gabriel.

Recomiendo a los Homo Sapiens escuchar y meditar las letras de "Supper´s ready", "The musical box" y todo "Selling England by the pound". 

Contradicciones

¿Qué se puede decir de Jimi Hendrix que no se haya dicho ya? A los 70 años de su nacimiento, cuando se analiza a este artista tan relevante, solo queda pensarlo como un ídolo, que junto a Jim Morrison, Janis Joplin, John Lennon, Kurt Kobain y otros pocos, completan la santa cena en la cultura rock. Hendrix está, junto con su banda The Jimi Hendrix Experience (Mitch Mitchell & Noel Redding), entre mis favoritos, pero la mera verdad, no me vuelve loco el blues y me fatiga el oído escucharlos por mucho tiempo.

 

Pero Hendrix fue un completo virtuoso de la guitarra y revolucionó el uso de la guitarra eléctrica. Quienquiera puede argumentar que existieron guitarristas más melódicos, más rápidos, más poderosos, y más dotados técnicamente, por supuesto, no hay discusión, pero no hubo otro guitarrista más revolucionario. Antes de Are You Experienced? La guitarra era un instrumento limitado dentro del contexto de las canciones. Un riff de entrada, rasguear acordes, el típico solo y un cierre armónico con el resto de instrumentos. Hendrix fue el profeta que introdujo la guitarra eléctrica en todos los espacios de las canciones con sonidos nunca antes escuchados. Nunca antes la frontera entre el overdrive y la distorsión fue tan borrosa.

 

Así como The Jimi Hendrix Experience supo plantar un antes y después en los esquemas del rock, no logró traducir esta revolución en grandes composiciones. El sonido es espectacular pero las composiciones, las canciones en sí mismas, no destacan tanto. La mayoría de riffs o solos no son tan magníficos e incluso muchos son caóticos, irrepetibles, antitecnicos y fuera del espacio. Me quedo con el Hendrix creador de identidades, de sonidos y lenguajes nuevos, al creador de atmósferas en escena y al pirómano de guitarras. Hendrix cambió la dinámica de la guitarra eléctrica en un periodo de tiempo practicamente nulo, tres escasos años, de 1967 a 1970. Si alguna vez escuchaste a Hendrix y repetiste un pedazo de la canción para analizarlo y te preguntaste ¿Cómo hizo ese sonido? Amigo, eres definitivamente un Homo Sapiens!

A los 78 años de su nacimiento...

¿Qué ha significado Elvis Presley para la música? Bueno, vale la pena mencionar algunos de los hechos más significativos, entre muchos otros: Con más de mil millones de discos vendidos a la fecha, reconociendo que sus influencias fueron Mario Lanza y cantantes de blues rural, su mayor contribución a la música fue fusionar armónicamente el Country, Blues, Jazz y Góspel (El Rockabilly como el primer subgénero del Rock and Roll)  con un rango vocal admirable.
 

Fue el primer ídolo juvenil (tal como los conocemos ahora) que surgió al mismo tiempo que se masificó la TV y los shows en vivo. Fue el primer cantante en lograr que una canción (Heartbreak Hotel) estuviera 8 semanas en el primer lugar de las carteleras. 1,500 millones de personas vieron Aloha from Hawái, en 1973, el primer concierto de un artista individual transmitido en vivo a todo el mundo vía satélite. Finalmente, se le considera como el primer artista que hizo un “Unplugged” ya que en 1968 realizo un concierto en vivo, televisado, con audiencia, llamado “Elvis '68 Comeback Special” en donde interpretó sus éxitos previos totalmente en acústico. ¿El Rey? Indiscutible!

La Música en el Espacio Interestelar

Luego de 35 años viajando por el sistema solar, las sondas Voyager acaban de penetrar al espacio profundo. La Voyager 1 se dirige hacia una estrella enana roja nombrada +79 3888 AC, en la constelación de Camelopardalis, localizada a 16 años luz de distancia. La nave tardará aproximadamente 40.000 años en pasar a una distancia de 1.6 años luz de la misma. La Voyager 2 tardará 296.000 años para pasar a una distancia de 4.3 años luz de la estrella Sirio.

En cada una de las sondas viaja un disco que contiene grabaciones análogas de música de diferentes épocas y culturas de la Tierra, voces humanas, sonidos de la naturaleza e imágenes con la intención de plasmar y comunicar un retrato general de la vida en nuestro planeta. Esta parte del proyecto, una especie de mensaje en una botella lanzada al espacio estelar, estuvo dirigido por el conocido astrónomo estadounidense Carl Sagan quien con otro colega, su esposa, un artista y un periodista, se dieron a la tarea de seleccionar el material más representativo. Consultaron con varias fuentes y expertos e, inevitablemente, hubo discusiones y largos debates sobre qué incluir.

Finalmente se incluyeron, entre otros: El Concierto de Brandenburgo de J.S. Bach, La Flauta Mágica de W. Amadeus Mozart, Quinta Sinfonía de L. Von Beethoven, El Rito de Primavera de I. Stravinsky y Johnny B. Goode de Chuck Berry. También hay música popular, jazz, blues y folclórica de diferentes países como la orquesta de gamelán de Java, gaitas de Azerbayán, un raga de India, percusiónes de Senegal y el canto de iniciación femenina de los pigmeos en lo hoy es la República Democrática del Congo. América Latina también está presente con quenas y tambores de Perú y un canto matrimonial.

Los discos, bañados en oro, tienen el tamaño de un ejemplar de vinilo convencional: 30 centímetro de diámetro. Está empacado en una carátula de aluminio e incluye su propia aguja con instrucciones rasgadas en la superficie dorada sobre cómo colocar la aguja en los surcos y hacer girar el disco a la velocidad ideal.

"Haber utilizado un método mecánico de grabación de sonido para transmitirle a un extraterrestre o alguna civilización extraña cómo éramos es demencia total o un golpe genial", expresó alguien. "Esa era la tecnología del momento y cualquier extraterrestre puede hacerlo", dijo con un poco de humor Bill Nye a la BBC y explicó: “En las ilustraciones hay un átomo de hidrógeno -que tienen una resonancia natural- y hay una representación binaria de las vibraciones con lo que se puede deducir la velocidad del disco". Por las mismas instrucciones, relacionadas a pulsares y la vibración del hidrógeno, más otros gráficos y símbolos científicos, un ser inteligente podría rastrear la procedencia del disco hasta la Tierra, concluyó Nye.

Entre otras cosas importantes incluidas como audio están los saludos y bienvenidas en 55 idiomas diferentes, incluyendo español, portugués y quechua, la risa humana, el canto de una ballena, de aves y otros animales, los sonidos del mar y del viento, el chasquido de un beso.

El archivo sonoro está acompañado de 115 imágenes, una de ellas de un campesino guatemalteco como muestra de diversidad, y diagramas que van desde las maravillas naturales hasta construcciones de ingeniería y arquitectura, las siluetas de un hombre y una mujer embarazada, gente bebiendo y comiendo, instrumentos musicales, páginas de un libro y varias gráficas de la compleja estructura del ADN. No hay, sin embargo, fotos de la guerra, a pesar de ser una realidad de la humanidad, pues no querían enviar un mensaje que pudiera interpretarse como violento. Tampoco referencias a las religiones que pudieran comunicar divisiones o prejuicios.

Las naves Voyager se encuentran ahora en una misión interestelar, viajando en direcciones diferentes, una a 62,500 kilómetros por hora y la otra a 56,000. Seguirán su viaje por la Vía Láctea a la espera de que alguien o algo, las intercepte y pueda disfrutar del disco dorado de la Tierra y cuestionarse tal vez, "¿Cómo hicieron este rock and roll?".

Hechos increibles en la musica...

Creed ha vendido más discos en Estados Unidos que Jimi Hendrix.

Led Zeppelin y REM nunca han tenido un #1 en las listas de popularidad. Rihanna tiene 10.

La canción “Tik Tok” de Ke$ha ha vendido más copias que cualquier canción de The Beatles.


Flo Rida's “Low” ha vendido 8 millones de copias, igual que “Hey Jude” de The Beatles.

Celine Dion's “Falling Into You” vendió más copias que cualquier álbum de Queen o Nirvana.

Katy Perry tiene el mismo record que Michael Jackson de más sencillos #1 de un mismo álbum.

Las personas compraron 20 millones de copias del álbum de Billy Ray Cyrus “Some Gave All…” más que cualquier álbum de Bob Marley.

El cast de “Glee” ha puesto más canciones en los charts que The Beatles

Justin Bieber existe y habló pestes del Metal.

A Alejandra Guzmán le dicen “La Reina del Rock”. Esto es lo que mas me ofende!.

Gangnam Style es el video musical más visto en YouTube solo seguido de cerca por Justin Bieber.

Malas Traducciones

A raiz de mi escrito sobre Deep Purple y su induccion al Salon de la Fama del R&R, donde indico que “Smoke on the Water” (Humo en el Agua) ha sido erroneamente traducido como “Fumando en el Agua”, casualmente me puse a platicar de esto con un locutor, amigo mio desde hace varios años, quien me lo explico de esta forma: "..los productores nos dejaban en cabina los discos en 45 rpm con los titulos en Ingles. Habia que traducirlos para poder decir el titulo al aire en español. Con nuestros escasos conocimientos del inglés, escuchabamos la canción y tratabamos de darle sentido al título, le poníamos el título en español a nuestro buen saber y entendimiento, con los errores y aciertos quedaban como tal...”

Es por eso que, por ejemplo, Los Beatles han sufrido en carne propia en las ediciones radiales las malas traducciones. Todavia hoy en dia los presentan como “Los Escarabajos” (erroneo pues no se llaman The Beetles). La canción “Don't Let me Down" (No me decepciones) se tradujo como "No Me Dejes Abajo" y lo peor, hace algunos años, una locutora de FM95 tradujo al aire “Hey Jude” como “Hey Judío” lo cual fue una aberración trascendental ¿Te acordas Mauricio?. "While My Guitar Gently Weeps" (Mientras mi guitarra llora gentilmente/con delicadeza"), ese gran tema de George Harrison que inmortalizó ese tremendo sólo de guitarra de Eric Clapton, en la Radio Exclusiva, la presentaban como "Guitarra vas a llorar", así de funesto.

Otras de las delicias de la traduccion son: “Stand by me” (Permanece junto a mi) que fue traducida como “Cuenta conmigo”. Creedence ClearWater Revival fue traducido como “La creencia en el Resurgimiento del Agua Clara” o “Los Creyentes del Aguaclara”, y se sigue diciendo asi, por favor! Creedence es el nombre propio de un amigo de John Fogerty, (Creedence Nuball - creencia se traduce como Belief), Clearwater el nombre en un comercial de cerveza y Revival el deseo de la banda de renacer.

“Long Cool Woman” de los Hollies se tradujo como “Mujer Larga y Fria Vestida de Negro” cuando “Long Cool”, en esta frase, no se refiere a la temperatura o temperamento de la mujer sino a que es “Grandiosa o Por Mucho Buenisima” mujer. En este caso “Cool” no es por frio sino por “Cool = Bueno/a”. Long no es por “Largo/a” sino por un termino de distancia “Por bastante” “Por mucho”. Es como decir “Long time ago” (Hace mucho tiempo).

The Little River Band (La Banda del Rio Pequeño) se sigue traduciendo a la fecha, en la Radio Retro, como “La Pequeña Banda del Rio” cuando se programa esa bellisima canción Reminiscencias. The Look (La Apariencia) del duo Roxette fue traducido como “La Mirada”.

Igual The Rolling Stones han sufrido de las malas traducciones: “Ruby Tuesday” es un nombre propio que no necesitaba traducción. Aqui en Guatemala se presentaba en la radio como “Martes de Rubi”. Jumping Jack Flash de la misma forma, cualquier cantidad de malas traducciones como “Jack El Saltarín” y realmente no necesita traducción.

Al grupo The Doors le ha tocado con uno de sus primeros temas discograficos. Es el tema “Break On Through (to the other side) que seria “Atravesando / Irrumpiendo (hacia el otro lado)” se tradujo como “Interpuesto”, pero de donde se fumaron esto!!!!!

¿Alguien se acuerda de alguna otra aberracion en traducciones? La unica excusa es que en aquellos tiempos no habia Internet ni estaban disponibles las letras ni habia Wikipedia! Gracias MartinS.

Humo en el Agua

La comunidad rock recibe con agrado, nuevamente, la propuesta de candidatura de Deep Purple para el Salon de la Fama del Rock & Roll cuya induccion, de ser elegidos, sera en abril de 2013. La historia de Deep Purple es extensa, principalmente por sus multiples cambios de miembros, sus apariciones y desapariciones como banda y los problemas de Richie Blackmore. Algunos hechos de la banda que tal vez no sabian: a) Fueron teloneros de Cream. b) Banda mas ruidosa de los 70s de acuerdo con el Libro Guinness de los Record Mundiales. c) Su primer album exitoso (1970), comercialmente hablando luego de dos previos, es de musica clasica. Una sinfonia de Jon Lord en tres movimientos. d) Fue una de las primeras bandas que toco con una orquesta (La Orquesta Filarmonica Real de Londres) e) "Made in Japan" es el album en vivo que mas copias ha vendido (+8 millones) todos los rifts y solos de Richie Blakmore en esta produccion son considerados clasicos. f) Durante una actuacion, con Frank Zappa & The Mothers of Invention, el casino donde estaban se incendio debido a una bengala que era parte del show. Perdieron todo su equipo y tenian compromiso de grabar un album. The Rolling Stones les prestaron equipo de sonido y de grabacion y ellos pudieron alquilar un hotel vacio -sin calefaccion- para las sesiones. Alli escribieron "Smoke on the Water" (Humo en el Agua) donde narran la experiencia del incendio. Por cierto, otro de los titulos mal traducidos por los locutores guatemaltecos quienes, aun a la fecha, dicen "Fumando en el Agua". ¿Porque hasta ahora y no antes la candidatura? Bueno, lo mejor de Deep Purple fue entre 1969 y 1976 lo cual nos haria pensar en una candidatura tardia, entonces, obviamente ha sido su influencia en la musica actual. ¿Y esta cual es?  Resumiendo, de acuerdo con The Clasic Rock Revisited, Smoke on the Water es la cancion (No. 1 de 100), que mas ha influido en el Hard Rock y en el Heavy Metal. 

Los Juegos mas Musicales

Finalizan los Juegos Olímpicos Londres 2012, afortunadamente, los más musicales de toda la historia. Después de la ceremonia de apertura donde destacaron Arctic Monkeys y Paul McCartney, se esperaba una ceremonia de clausura que superara ese nivel. Y ha resultado muy bien. Las actuaciones de Muse, The Who, Queen, Take That, Pet Shop Boys, Madness, entre muchos otros, tanto en el Estadio Olímpico como el paralelo en Hyde Park con nada menos que Blur, New Order y The Specials.

He aqui el listado: 1. England National Anthem (God Save The Queen) 2. Read All About It, Pt. III – Emeli Sandé 3. Elgar: Cello Concerto in E Minor, Op. 85 Adagio 4. Notting Hill Carnival 5. Our House – Madness 6. Parklife – Blur 7. West End Girls – The Pet Shop Boys 8. What Makes You Beautiful – One Direction 9. Waterloo Sunset – Ray Davies de The Kinks 10. One Day Like This – Elbow 11. Open Arms – Elbow 12. Bohemian Rhapsody – Queen 13. Montreal Bed Interview For World Peace 14. Freedom – George Michael 15. White Light – George Michael 16. Pinball Wizard (The Who) – Kaiser Chiefs 17. Little Bird – Annie Lennox 18. Should I Stay or Should I Go – The Clash 19. Wish You Were Here (Pink Floyd) – Ed Sheeran 20. Pretty Vacant (Sex Pistols) – Russell Brand 21. Right Here, Right Now – Fatboy Slim 22. Price Tag – Jessie J 23. Written In The Stars – Tinie Tempah 24. Dynamite – Taio Cruz 25. Wannabe – Spice Girls 26. Wonderwall (Oasis) – Beady Eye 27. Always Look On The Bright Side Of Life – Monty Python 28. I Am The Walrus (The Beatles) – Russell Brand 29. Brighton Rock,We Will Rock You – Queen & Jessie J 30. Survival – Muse 31. Rule The World – Take That 32. Spirit Of The Flame – Darcey Bussell 33. Baba O'Riley, See me fell me, My Generation -The Who.

Luego de esta presentación, se pondrá a la venta un álbum en formato digital llamado “A Symphony of British Music: Music For The Closing Ceremony of the London 2012 Olympic Games”. Los grandes ausentes, pues, dificil de decirlo por toda la riqueza de la música británica, pero, para mencionar algunos: The Clash, Radiohead, The Cure, David Bowie, The Rolling Stones, Pulp, Depeche Mode, Franz Ferdinand, Robert Plant, Jimmy Page, Richard Wright, Roger Waters, The Flaming Lips, The Smiths (o Morrisey) y muchos otros más. Al final una buena mezcla de lo clásico y lo nuevo.

Musica y Astrofisica

Brian May (1947) siempre estará (con excepcion de la clasificacion de Rolling Stone Magazine) entre los mejores 10 mejores guitarristas de todos los tiempos. Sus solos en canciones como “Tie your mother down”, “Fat bottomed girls”, “We will rock you” y “Bohemian rapsody” con Queen son virtuosos, geniales e influyentes en innumerables guitarristas. El sonido unico de su guitarra, la “Red Special”, es porque el mismo la construyo, con ayuda de su padre, cuando era adolescente. Pero, ¿Que hace ahora May?. Obviamente vive de regalías pero esto no siempre garantiza un buen futuro. Afortunadamente no usa drogas y no tiene que mendigar estar en programas estupidos como “That Metal Show”, ni hacer “Realities”, ni participar de programas de MTV o apariciones fugaces en películas de parodias -de bajo presupuesto- para adolescentes, etc. May trascendio a la musica porque ya era su plan de vida.

Antes de formar su primera banda, llamada “Smile”, estudió física y matemáticas en el Colegio Imperial de la Universidad de Londres, donde obtuvo la licenciatura en Física y Matemática con un BSc (Honores) y el premio “Media Luna Roja Afgana” en Física, con altos honores de segunda clase. A continuación, procedió a estudiar para su doctorado, el objeto de estudio era respecto de la luz reflejada por el polvo interplanetario y la velocidad del mismo en el plano del Sistema Solar. Cuando The Queen tuvo éxito, abandonó sus estudios de doctorado, más no la co-autoría de dos trabajos de investigación científica: Emisión en el espectro del cielo nocturno (1972) e Investigación del movimiento de partículas de polvo zodiacal (Parte I) (1973), que se basan en sus observaciones en el Observatorio de Teide en Tenerife.

Él es el co-autor de Bang! – The Complete History of the Universe con Sir Patrick Moore y Chris Lintott, publicado en octubre de 2006. En octubre de 2007, más de 30 años después de que comenzó su investigación, él terminó su tesis de doctorado en Astrofísica , titulada Un Estudio de Velocidades radiales en la nube de polvo zodiacal, la pasó de viva voz y luego realiza las correcciones necesarias. Oficialmente se graduó en la ceremonia de premiación de postgrado celebrado en el Real Albert Hall, la tarde del miércoles 14 de mayo de 2008. El 17 de noviembre de 2007, May fue nombrado Canciller de la Universidad John Moore de Liverpool, tomando el relevo de Cherrie Blair e instalado en 2008.

El asteroide "52665 Brianmay" fue nombrado en su honor el 18 de junio de 2008, a sugerencia de Sir Patrick Moore (probablemente influenciado por la designación provisional del asteroide en 1998 como BM). En fin, todo, una buena combinación de plan de vida, musica y estudios, ¿No les parece un buen ejemplo?

Keith Relf

La primera pregunta que nos hacemos: ¿Quién es? La cual es una pregunta válida. Solo dire que fue vocalista e interpretaba la armónica en una forma extremadamente distorsionada, y que, sin él, el heavy metal probablemente no existiría. Asi de clara su influencia. Nace un 22 de marzo de 1943 y a principios de los años 60s forma el grupo The Yardbirds. Este grupo lanzo su primer LP en 1963 y tuvo pocos exitos comerciales. Probablemente nos recordamos de “For Your Love” (1965), “Shapes of Things” (1966), Dazed and Confussed (1968) (recomendable escucharla!!!) y paremos de contar. Lo importante de The Yarbirds fue que, bajo el liderazgo de Keith, iniciaron el Blues-Rock británico. El grupo fue un laboratorio de experimentación musical, antes que Pink Floyd, hasta su disolución en 1969. En la escena britanica, the Yardbirds, Eric Burdon & The Animals y the Rolling Stones, ponían las reglas en las interpretaciones en vivo. Los Yardbirs expandieron el rango de la guitarra eléctrica experimentando con el feedback, sustain y el fuzztone. Sus integrantes mas celebres fueron: Jimmy Page, Jeff Beck y Eric Clapton quienes luego formarían Led Zeppelin, el grupo del regreso de Elvis a la escena mundial y Cream, respectivamente. Keith muere el 14 de mayo de 1976. Ese dia bajó al sotano de la casa para tocar su guitarra electrica. La instalación eléctrica estaba deficiente (no tenía tierra física) Keith, con la guitarra conectada, toca una tubería metálica de gas y muere electrocutado. Una de las muertes mas insólitas del Rock. Lamentablemente su hijo fue testigo. Una leyenda urbana dice que murio electrocutado mientras tocaba su guitarra electrica en una bañera, lo cual, nada que ver. Fue incluído en 1992 en el Rock & Roll Hall Of Fame junto a The Yardbirds por toda la influencia que tuvieron en las corrientes musicales a partir del verano de 1967. La comida? Francesa. Filosofia? Alemana. Musica? Inglesa!!!!!. 

La Banda del Titanic

Esta noche del 14/15 de abril de 2012 se cumplen 100 años del hundimiento del Titanic y como en todo barco de lujo de esa epoca, hubo musica. The Wallace Hartley Band, fue la agrupación contratada para el viaje inaugural del afamado transatlántico. Anteriormente habian trabajado en el RMS Lucania, RMS Lusitania y RMS Mauretania. A raíz de los acostecimientos, esta banda forma parte de las muchas leyendas del Titanic.

Los testigos contaron que luego del choque del barco con el iceberg, los ocho miembros de la banda,  se situaron en el salón de primera clase en un intento por hacer que los pasajeros no perdieran la calma ni la esperanza. Más tarde continuaron tocando en la parte de popa de la cubierta de botes. La banda no dejó de tocar incluso cuando ya era seguro que el buque se hundiría.

Se dice, popularmente, que la ultima cancion que tocaron fue "Nearer, My God, to Thee" porque, de acuerdo con musicos amigos de Hartley, este dijo en una ocasion que "..esa seria la cancion que tocaria si se estuviera hundiendo un barco...". Sin embargo, en el libro de Walter Lord "A Night to Remember" menciona que, de acuerdo con el testimonio del operador de radio Harold Bride, quien permanecio en el Titanic -hasta el ultimo momento- transmitiendo mensajes pidiendo ayuda, la ultima cancion que se escucho fue "Autumn". La banda estaba formada por:

Wallace H. Hartley, violin y director.
Roger Bricoux, cello.
Fred Clarke, bajo y viola.
P.C. Taylor, piano.
G. Krins, violin.
Theodore Brailey, piano.
Jock Hume, violin.
J.W. Woodward, cello.

Ninguno de los integrantes de la banda sobrevivió al naufragio. Tras los acontecimientos, la actitud de los músicos, por la motivacion que fuera, es citada para mencionar casos de personas, empresas, naciones, etc., que ante graves acontecimientos que van a provocar su “hundimiento”, deciden seguir haciendo lo mismo y aparentar que nada malo pasa ni va a ocurrir. Mi criterio es que la actitud de los músicos representa simplemente a personas haciendo lo que les apasiona hasta el último instante de su vida, totalmente conscientes de lo que esta sucediendo alrededor y considerandolo como "un deber". Pero por otro lado, no necesariamente pudo haber sido tan romantico el asunto. Pudieron ser obligados a seguir tocando, a pesar de las circunstancias, por alguien de rango superior o por personal administrativo de la empresa. Un dato: Los cadáveres de Wallace Hartley y Jock Hume fueron los únicos que se recuperaron de los miembros de la banda. Hartley fue enterrado como héroe el 18 de mayo de 1912 en Colne, Inglaterra. Hume fue enterrado sin ser reconocido hasta que un nieto lo logro recientemente y se pudo poner el nombre en la lapida. A las pocas semanas de la tragedia, la empresa White Star Line -dueña del Titanic- les cobro a las familias de Hartley y Hume el coste por la pérdida del uniforme!. Haceme el favor!