miércoles, 14 de diciembre de 2011

¿That Metal Show?

Como si no fuera suficiente toda la basura que hay en los canales de cable, un dia detuve mi "zapping" en un programa del canal VH1 que se llama “That Metal Show”. Interesante!, pense inmediatamente, dado que este genero musical no es tan comercial ni atractivo para el gran publico. Pensando en eso comence a verlo,  acomode mi almohada, acerque mi bebida preferida y segui viendolo. A los pocos minutos, pues, no salía de mi asombro al ver la trasnochada escenografía e identificar que los conductores son tres personas ajenas al Metal: Dos comediantes (Jim Florentine y Don Jamieson) y un presentador de programas de radio y mal escritor de notas sobre musica (Eddie Trunk) que por cierto se viste como Bobby de los Reyes de la Colina. Tuve la paciencia de ver todas las secciones del programa, y bueno, aun no lo creia!. Tal vez habian anunciado un programa sobre Metal y se metio otro programa -pense- o era una broma del dia de los inocentes, que se yo! Pero no. A partir de alli, trate de ver otros capitulos completos, para poder opinar, pero en realidad me fue dificil terminarlos. A pesar de eso, mi opinión:
Obviamente no es un programa sobre Metal, lo que alli se trata tiene que ver con el Glam Rock, es decir, mucho pelo, vestuario, escenografia y baladas pop con guitarras electricas. Esto es facilmente identificable por los "conocimientos" que "derrochan" los presentadores, los temas de “discusión”, las preguntas, previamente consensuadas, para "Pisar a Trunk" y por la forma en que se viste el público. Contrario a lo que uno espera de un programa de VH1, resulta que es un “Talk Show”, es decir, un programa estupido de farandula gringa, que es basicamente un mal programa con formato de MTV para adolescentes en donde los mas "cool" o "atrevido" es tener a Rob Zombie como invitado. Cuando inviten a Gorgoroth hablemos!. Y hablando de los invitados, que por cierto deben estar severamente desesperados por mantenerse vigentes para asistir a esta porqueria de show, estos ya han sufrido el proceso de domesticación mediática que los hace estar listos para entrar a cualquier “Reality Show”. Y lo peor es que casi no hablan de musica o de groupies u otros temas interesantes. Hablan de temas como el que se indica en la foto. ¿Lo mas ridiculo que vi en un programa? Cuando entreleyeron la letra de “Cherry Pie” de Warrant con una escenografia de una misa catolica romana. Realmente es dificil para nosotros los latinoamericanos entender lo que aparentemente es gracioso para los gringos. Este tipo de programas le da mal nombre al Metal!!!! Pero no dejeis que mi opinion os nuble el entendimiento!. Vedlo!, tambien tiene cosas buenas, por ejemplo, el show dura 30 minutos nada mas. Y si tu interes es saber con cuantas mujeres se ha acostado Gene Simmons o a quien de una banda le cae mal quien de otra banda, pues, es tu programa!

jueves, 1 de diciembre de 2011

Uno de los albumes que debes tener...


El 1 de diciembre de 1982, Michael Jackson y su disquera, lanzaban al mercado el álbum Thriller; sin duda, el disco más exitoso de su carrera en solitario luego de los Jackson Five. De este disco se extrajeron los sencillos “Billie Jean”, “Beat it”, “Wanna be starting something” y “Thriller”, todas nº 1 en Billboard. Pocos saben que dos canciones del album fueron con destacadas colaboraciones: “Beat it” fue grabada con Eddie Van Halen y “The girl is mine” a duo y con arreglos de Paul McCarney.

Thriller es el álbum más vendido de la historia, con mas de 70 millones de copias “oficialmente” vendidas en todo el mundo. Este album le valió a MJ, además de las regalias, ocho premios Grammy y recibir el titulo de "Rey del Pop". Lastima su dependencia a los analgesicos, psicofarmacos y finalmente a los anestesicos. Esta combinacion mortal, su extraño estilo de vida y el papel de un medico que no pudo decir "no" hacen que hoy MJ sea un mito.   

martes, 25 de octubre de 2011

Invisible, pero siempre presente

En este noviembre, se cumplen 10 años de la desaparición de un grande de la musica, un hombre que hizo mucho y fue apreciado poco, tal vez por la propia naturaleza de su caracter: Tranquilo, no bullicioso, serio; pero que merece ser recordado como uno de los mejores. Nacido el 25 de febrero de 1943 en Liverpool, el llamado tercer Beatle, George Harrison, muere en noviembre de 2001, luego de tres años de lucha contra un cancer de pulmon.

Parece que durante su vida musical siempre tuvo algo en contra. Cuando fue invitado por Paul para tocar con The Beatles, tuvo la desconfianza de John Lennon por su corta edad (15 años). No fue sino hasta que le toco “Raunchy” que logro convencerlo. Luego de adaptarse a los conciertos, vino la presion del publico, la prensa y la disquera. Se le criticaba porque no aportaba canciones. Su respuesta fue la iconica y significativa “Don't bother me”. Pocos le reconocian sus aportes musicales, sus punteos eléctricos y rasgueos acústicos más definitorios del sonido de la banda, en temas como “Ticket to ride” o “I need you”, al tiempo que asumía la voz solista en otras muchas canciones de gran valor simbólico: desde “Roll over Beethoven” hasta “Eight days a week”, “Do you want to know a secret?” o “I'm happy just to dance with you”.

El genio musical de este hombre es indudable porque de su inspiración, tacto y gusto surgieron temas inolvidables tales como “Here comes the sun”, “If I needed someone”, “Something” (… in the way she moves), “While my guitar gently weeps”, “Piggies”, “Taxman”, “Think for yourself” o “Within you, without you”.

Pocos saben que durante las sesiones de Let it Be discute seriamente con Paul, por aspectos tecnicos de la musica y arreglos, y se harta de John Lennon. Cumplir órdenes le quedaba ya corto para sus expectativas. En esta pequeña crisis decide, por fin, abandonar la banda, pero a las pocas semanas regresa, para contribuir con el que sería el último trabajo de The Beatles: Abbey Road, grabado después de Let it Be pero lanzado antes que éste. Además de aportar con dos de los tres temas más populares del LP, logra por primera vez, colocar una de las suyas como lado A de un sencillo. “Something” la enésima canción de amor del cuarteto que logró conquistar al mundo.

Cuesta pensar en un final digno para The Beatles sin la presencia de “Something” y “Here Comes The Sun”, por no mencionar sus invaluables contribuciones como arreglista. También es difícil pensar en la carrera del grupo sin su presencia. George era la diagonal que unía y afianzaba a Lennon/McCartney. Siempre tuvo un solo, un arpegio, un riff que catapultaba a sus compañeros. Cuando se escucha a John Lennon y a Paul como solistas, todo lo que falta, para ser The Beatles, es George Harrison.

jueves, 6 de octubre de 2011

The Delicate Sound Of Thunder ( Tributo a Pink Floyd )


El 30 de septiembre de 2011, en el Salon Oro del Gran Hotel -9 calle 7-64 zona 1- de la ciudad de Guatemala, se realizo un concierto tributo a Pink Floyd. ¿El motivo? La conmemoracion del primer concierto de este grupo, en esa misma fecha, pero en el año de 1966 (hace ya 45 años) en el All Saints Church Hall Concert de Londres.

La banda invitada, para esta ocasion, fue Simbiosis formada por Roberto Soberanis en los Teclados / Bateria / Voces, Gabriel Lepe en la Guitarra / Voces, Fernando Martín en la Bateria, Rosse Aguilar con el Saxofon, Juan Carlos Dubon tocando el Bajo / Voces, Carlos García en la Guitarra, Aurora Salazar y Angeles Avila en los Coros. De mas esta decir que sus interpretaciones fueron excelentes. Destacando, a mi humilde criterio, las del album Animals y Meedle. Previo a la interpretación de la banda, se proyecto el video Live at Pompeii de 1972.

¿Criticas? Excelentes en su mayoría. El Gran Hotel, bellamente remodelado, el servicio bueno al igual que la limpieza y otros detalles. La banda, nuevamente, excelente. El sonido, como cosa rara en este tipo de eventos, estuvo muy bueno. Un par de fallas en microfonos, pero, eso pasa en cualquier lado. ¿Lo que hay que mejorar? La puntualidad!. Esto por el respeto a los que somos puntuales y nos guiamos por lo decia el programa (“Proyección del video a las 08:00 en punto...”, etc.). “...pero si esto es un concierto! Como queres puntualidad?...”. Me dijeron mis amigos. Bueno, entonces no pongamos horarios!.

miércoles, 24 de agosto de 2011

A casi 20 años...

Nevermind, el segundo disco de Nirvana, fue lanzado
al mercado el 24 de septiembre de 1991. Previamente, el sencillo “Smells Like Teen Spirit” fue lanzado el 10 de septiembre con la intención de crear la base para el resto de la producción. Pocos anticiparon que este disco se convirtiera en un icono en el mundo de la música. Las razones:

1) Obviamente, la musica. Dio a conocer el rock alternativo al gran público como un elemento viable y accesible.
2) 30 millones de copias vendidas a la fecha. La casa discografica inicialmente produjo 81,251 copias que considero “lo que probablemente se vendería”.
3) El sonido de la guitarra de Kurt Cobain, principalmente en Come As You Are y Smells Like Teen Spirit, establece el tono para el rock de los noventa.
4) El sonido del bajo de Krist Novoselic afinado en Re bemol (tono y 1/2 mas grave) ayudo a conseguir el sonido que Kurt quería del disco: “...sonar como los Bay City Rollers siendo abusados por Black Flag...”
5) La portada del disco: Cobain dijo al respecto: “...si te ofende la imagen, eres un pedófilo encubierto...”.
6) Ocupa el puesto 17 de los 500 Mejores Albumes de la Historia, de The Rolling Stone Magazine.
7) El sexto lugar de los 100 mejores de todos los tiempos, de acuerdo a Time Magazine.
8) En 2005, la Biblioteca de Congreso de USA, lo añadió al Registro Nacional de Grabaciones que reúne los sonidos cultural, histórica y estéticamente importantes del Siglo XX.

Universal Music ha anunciado su plan para lanzar una reedición de Nevermind por los 20 años de su lanzamiento, esta edicion de lujo va a contener 4-CD y 1-DVD con extras de todo tipo, desde temas inéditos hasta rarezas y caras-B, remezclas alternativas y grabaciones en directo. El DVD será la grabación de un concierto de la banda que aún no ha sido lanzado. Su liberación esta destinada para septiembre de 2011. Como bien dice mi hijo Alvaro, “...despues de Nirvana...no hay nada que haya tenido más influencia real en la música...del 2,000 para ahora...nada...”.

lunes, 25 de julio de 2011

Bienvenida al Club de los 27

Winehouse inhalando cocaina, en pleno concierto, en 2007.
La cantante británica Amy Winehouse (27) fue encontrada muerta recientemente en su residencia al norte de Londres. Se cree que la muerte esta relacionada con el abuso de drogas y alcohol, un problema que la ganadora de 5 Grammys acarreaba desde hacia varios años.

Se une al “Forever 27 Club” con Jim Morrison, Robert Johnson, Janis Joplin, Kurt Kobain, Brian Jones, Jimmy Hendrix y otros 29 músicos -de todos los géneros- quienes murieron a los 27 años de edad, en condiciones trágicas, todas relacionadas con el abuso de sustancias.

Winehouse había suspendido su gira recientemente, después de una desafortunada actuación en Belgrado, donde se le vio en pesimas condiciones, tambaleaba en el escenario, solo alcanzaba a balbucear la letra de sus canciones, abandonó dos veces el escenario, lo cual generó una reacción negativa de la audiencia. En mayo salió por última vez de rehabilitación. Winehouse será recordada por su voz privilegiada, ronca, profunda, templada, que le valió ser nombrada como la Diva Trash del Soul en Europa.

miércoles, 13 de julio de 2011

Un adios es volver a recordar...

Primer sencillo de Facundo que contenia
en la cara A: Mama y en la cara B:
Que te vaya bien 

Ahora que Facundo Cabral se nos adelanto en el camino hacia lo desconocido, se habla mucho de las lamentables circunstancias de su muerte, pero muy poco de su música.

En lo particular me gusta su música primera, la de protesta social, la que sirvio de base a la trova continental junto a Atahualpa Yupanqui, Victor Jara y Violeta Parra, la que le valió exiliarse, esa música previa a su inevitable proceso de domesticación con Alberto Cortez. Mucho se recuerda y se canta “No soy de aquí” y poco de una de mis favoritas, cuya letra se lee:




 


Yo no se quién va más lejos,
La montaña o el cangrejo.
Quien sabe si el apoyarse,
Es mejor que el deslizarse.
Más que el oro, es la pobreza,
Lo más caro en la existencia
Solamente lo barato
Se compra con el dinero.
Lo importante no es el precio,
Sino el valor de las cosas.
El conquistador por cuidar su conquista
Se convierte en esclavo de lo que conquistó.
Es decir que jodiendo, se jodió.
Que me importa ganar diez,
Si se contar hasta seis.
Pobrecito mi patrón,
Piensa que el pobre soy yo.

Esta canción se llama “Pobre mi patrón”, y por supuesto, hay que analizarla en el contexto en la cual fue escrita, de otra forma, no tiene sentido. Otra joya es “Señora de Juan Fernandez” sin la cual Arjona no hubiera escrito “Buenas Noches Don David”.

Me quedo con lo expresado por el Embajador argentino, a raiz de la muerte de Cabral, "..asi como Nueva York no es culpable de la muerte de John Lennon tampoco lo es Guatemala de..." y que cierto, a Lennon lo mato Mark David Chapman y a Facundo, sabe Dios quien.

jueves, 16 de junio de 2011

Take on Me!

El video de A-ha! Muchos de los que presenciamos, como adolecentes, el nacimiento y consolidacion de MTV, estaremos de acuerdo que este video es. probablemente, el mejor de los 80s.

El video costo alrededor de cien mil dólares y se emitió por esta epoca, en el año 1985. Su director fue Steve Barron.

El éxito de este videoclip radica en la ingeniosa combinación narrativa de la estética del comic con personajes reales. Ademas es una buena historia, 4 minutos en donde se narra a partir de la soledad de la protagonista, hacia un mundo paralelo, con romance, aventura, accion, una supuesta perdida irreparable, con un final feliz para todos. Todos estos ingredientes, sumados a que, es una buena cancion Pop y lo "pegajoso" del ritmo, resultan en una obra maestra. Un año despues, en el otoño del 86 el video ganó premios en los MTV Video Music Awards en las categorías de Mejor Video Conceptual, Mejor Video de Artista Nuevo, Mejores Efectos Especiales y Mejor Dirección. Casi nada!

lunes, 30 de mayo de 2011

¿Volumen o Calidad?



Alan Parsons mezclando The Dark Side of the Moon.

Desde mediados de los 90s, en el proceso de migracion
de la musica a diferentes formatos, se viene
desarrollando entre musicos, estudios de grabacion, ingenieros de sonido e industria discografica, la llamada "Guerra del Volumen”, una tendencia que consiste en aumentar el volumen medio con el que se graban las canciones. De esta forma, cada disco que se lanza al mercado, suena más potente que el anterior. La pregunta es ¿Como afecta la calidad del sonido?. Y también ¿Es mejor la experiencia auditiva?
Mi opinión es que afecta la calidad del sonido con tendencia a la baja fidelidad y esto porque las mezclas y masterizaciones se hacen pensando en que las canciones ya no se disfrutan en equipos de alta fidelidad en ambientes tranquilos, como la sala o el estudio de nuestra casa, sino en equipos de automóviles, reproductores mp3, celulares y PCs. El sonido se escucha ahora mas comprimido y saturado porque tiene que competir contra el ruido de la calle, de las camionetas y de la conversación humana.
Técnicamente, aumentar la presión del volumen significa reducir el rango dinámico de las grabaciones (el espacio entre las frecuencias altas y bajas de un sonido), lo cual elimina matices valiosos. "Está comprobado que la música más fuerte no implica más ventas y que escuchar musica comprimida conduce a la fatiga auditiva, que aleja al oyente de disfrutar la música” explica Eduardo Bergallo, ingeniero de grabación, mezcla y mastering con más de 1.200 discos en su hoja de vida.
El evento clave en la guerra del volumen fue el lanzamiento del album Death Magnetic, de Metallica. En el camino opuesto, Guns N' Roses publicó Chinese Democracy con una mezcla que privilegia el rango dinámico. Su aparición sirvió para dar a conocer mundialmente a “Turn Me Up”, una organización que propone el 25 de marzo como el "Día del Rango Dinámico" para terminar con esta competencia para sordos. En eje central, del pensamiento de esta organización, es: Mejor sonar un poco más bajo y que sea la gente quien suba el volumen.
Y es que no solo por factores de estudios de grabacion, se puede explicar la saturación del sonido actual; aumentar la fidelidad del audio de las canciones implica usar formatos sin compresión como, por ejemplo, el WAV, que crean mejores archivos pero también de mayor tamaño, lo cual altera toda la ecuación comercial: a más peso, más almacenamiento, más redes, más ancho de banda y más tiempo requerido para vender música. En pocas palabras: cambiar la calidad del audio es cambiar un negocio. Actualmente es difícil prescindir de mp3 porque este formato triunfo cuando descargar música era lento y la capacidad de almacenamiento limitada.
Pero seamos honestos, hay música rock y pop que no se soporta ser escuchada en forma comprimida y menos si el formato es amplificado. “No creo que la calidad del audio sea el principal desafío de la música hoy. Lo que más buscan los melómanos es acceder más fácilmente a la música", dijo a CNN Shawn Lyden, jefe operativo de Sony Network, empresa que lanzo el servicio pago de Streaming Music Unlimited.
Pero ¿Es esto realmente así? ¿Un patojo que escucha su iPod en el bus, automovil o en la calle prefiere la comodidad sobre la calidad? ¿Es mejor tener mas canciones de baja fidelidad o menos canciones con alta fidelidad? ¿O es que hemos sacrificado la alta fidelidad de la musica por tener el reproductor de moda?

jueves, 28 de abril de 2011

Monterrey Pop Festival

El escritor de música, Rusty DeSoto, sostiene que en la historia de la música pop, se tiende a minimizar la importancia del Festival de Monterrey en favor de "más grande, más alto perfil, más decadente", Festival de Woodstock, celebrado dos años más tarde. Pero, como él señala: "… Monterrey Pop fue un acontecimiento: fue el primer verdadero festival de rock celebrado nunca, con debut de actuaciones de bandas que conformarían la historia del rock y que afectaron a la cultura popular desde ese día...el fin de semana del 16 al 18 de junio de 1967, era la primera vez que se utilizó para mostrar la música rock al gran público. Monterrey fue un gran acontecimiento, incluso por los estándares de hoy - asistencia diaria de 50,000, y más de 200,000 personas asistieron a lo largo de los tres días. No hubo víctimas, ni heridos, no sobredosis, no violencia y no detenciones...”.



Probablemente los hechos que hicieron del Festival de Monterrey sea tan o más influyente que Woodstock:

1.Inicia la contracultura pop. El “Verano del Amor” del 67.

2.La música interpretada esta intimamente ligada al contexto social del momento.

3.Primera vez que artistas blancos y negros conviven en el escenario ante una audiencia de negros y blancos. Fue un evento multi-cultural.

4.Los músicos no cobraron, con excepción de Ravi Shankar ($.3,000.00 por 4 horas)

5.La entrada costó $.1.00 y los fondos fueron donados a caridad.

6.Hendrix toco la guitarra con los dientes y atras de la cabeza, e inspirado por Pete Townshend, rompió su guitarra y terminó su presentación rendido de rodillas frente a ella, vertiendo líquido de encendedor y prendiéndole fuego.

7.Se consagra Janis Joplin como vocalista.

8.Eric Burdon y The Animals, iniciadores de la “Invasión Inglesa”, consolidan la influencia de esta música en el Pop, Rock, R&B, psicodelia y Folk.

9.Brian Jones, Mama Cas Elliot y otros famosos, dentro del público como audiencia.

10.Otis Redding se presentó ante una audiencia predominantemente blanca en su país natal. Su electrizante actuación fue destacada en la película y desde entonces se ha convertido en legendaria. Canto “Respect” como nadie.

11.Monterrey fue el primer festival de rock multitudinario promovido masivamente a nivel mundial y se convirtió en el modelo para las futuros festivales, sobre todo Woodstock, aunque a diferencia de este, fue un acontecimiento sin ánimo de lucro, y del Monterrey las diversas filmaciones y grabaciones sonoras sigue para obtener ingresos, sin fines de lucro, para la Fundación Festival de Monterrey.

12.Paul Beaver y Bernie Krause mostraron al público el nuevo “sintetizador de música electrónica desarrollado por Robert Moog. Ellos habían comprado uno de los primeros sintetizadores Moog en 1966 pero pasaron un infructuoso año tratando de llegar a Hollywood. Ellos decidieron establecer un stand en el Monterrey Pop Festival y a través de su exposición, consiguieron un contrato con Warner Brothers para la banda sonora de la película"Rosemary's Baby".

Robert Moog con su prototipo de sintetizador en 1965.

En este junio 2011 se cumplen 44 años del festival!

jueves, 14 de abril de 2011

29 Cosas que me sacan de onda en la musica...

Hoy hice un ejercicio de asociacion libre, respecto de cosas que no muy en la musica y su entorno, he aqui un listado en bruto, sin editar,

1) Canciones que tienen dos partes. Se entendia por las limitaciones del acetato, pero, ¿Ahora?
2) Videos musicales que parecen comerciales.
3) Solistas a los que no se les entiende lo que cantan.
4) Cuando un guitarrista destruye en el escenario el equipo que yo no puedo comprar!!!. Cuando destruyen una Gibson o un amplificador Marshall!!!.
5) Cantantes de 30 años o mas que siguen cantando música de adolescentes. Aunque hay que admirar lo que hacen los Rolling Stones a los 70 años.
6) Rockeros que usan t-shirts con el nombre de otras bandas.
7) Durante conciertos, cuando dejan de cantar la letra original y la sustituyen por naaaa, naaaaa, nanana, naaaaa y que hace que toda la gente levante las manos y las meza. Que malo.
8) El que en una fiesta quiere oir su cancion, va con el DJ y le pide "un enchufe" para su ipod. En la misma fiesta, el que dirigiendose al DJ, le dice "Cambiate la musica y ponete una buena vosssss".
9) Blancos que rapean (incluyendo a Eminen)
10) Cantantes de Hip Hop que hacen videos aparentando ser de la mafia.
11) American Idol, especialmente con la participacion de Steven Tyler y la gorda Lopez.
12) Conciertos donde los artistas dejan de cantar y dirigen el micrófono hacia el publico. Por principio, el sonido no llega a esa distancia y un concierto se trata que el publico vaya a escuchar al cantante y no al reves!. “Quiero oírlos” dice el cantante. Absurdo.
13) Los participantes de American Idol que lloran cuando les dicen que apestan. Eso es como que yo me ponga a llorar porque me digan pelón.
14) Las falsas felicitaciones entre artistas en la entrega de los Grammy.
15) Artistas que tratan de cantar. Cantantes que tratan de actuar.
16) Cuando en una fiesta, que esta superalegre, llega el mariachi, la fiesta se pone mejor, el mariachi esta tocando solo canciones alegres y luego alguien pide "A mi manera". En primer lugar es una cancion mediocre, para frustrados, excesivamente larga y segundo arruina siempre el ambiente. Lo peor, el amigo o amiga no se sabe la letra, solo logra repetir "..a mi maneeeraaaaaa...".
17) Janet Jackson enseñando el pezón. Eckkkkk!.
18) Besos lesbicos en el escenario, enfrente de esposos e hijos.
19) Canciones que las “adaptan” para comerciales.
20) Britney Spears.
21) Sting y sus canciones que empiezan con eeeeeh ooooooohhhh eeeeeh aaaaaah y luego tambores africanos.
22) Cantantes falsamente preocupados por la ecología, que hacen conciertos para recaudar fondos y rescatar, segun ellos, la selva brasileña (con excepción de Bob Geldof que NO cobra)
23) No tener dinero para ir a Inglaterra a un concierto de Roger Waters!!!
24) Cantantes que sacan perfumes o lociones con su nombre.
25) Músicos que participan en Reality Shows. Aló Ozzy “El Principe de las Tinieblas”.
26) That Metal Show. Especialmente cuando entrevistan al amigo del amigo que alguna vez toco con alguien que es famoso. Ademas no pasan musica. Las entrevistas son al estilo de Patty Chapoy. Los conductores una mala combinacion entre yupis y nerds. Lo arreglado de las preguntas del publico para el gordito sabelotodo.
27) MTV actual con sus series vulgares como Punk'd o Prank'd!
28) La separación de los Beatles, Guns and Roses, Genesis, Pink Floyd, The Clash y otros.
29) Canciones despues de muertos, al estilo de "Free as a Bird" de The Beatles.

Es algo real u hoy nada me gusta?

miércoles, 23 de marzo de 2011

El Origen del Simbolo

En los conciertos de Heavy Metal, es común ver que el publico y los músicos hagan el símbolo de “la mano cornuda”. Este símbolo fue popularizado por Ronnie James Dio, a principios de los años 80s, en un concierto de Black Sabbath. Ronnie sustituyo a Ozzy en este concierto, por estar este en una clinica de desintoxicacion. Luego de dicho evento, un periodista le preguntó el significado del gesto realizado con la mano. Y este simplemente lo describió como un “malocchio”. Un gesto de la cultura popular italiana (Sus abuelos eran italianos), el cual era una forma de evitar el “mal de ojo” y darse así mismo buena suerte. Desde entonces, este símbolo se ha convertido en algo común y no todos saben el origen del mismo.


Investigando un poco mas, encontré que en la portada del album de Kiss “Love Gun” de 1977, aparece Gene Simmons haciendo el simbolo (mano izquierda) con la diferencia que la mano esta hacia abajo y no en lo alto como lo hizo Ronnie James Dio.

PS. Gracias a un buen amigo, quien me ha corregido y me hizo ver que, para variar, Los Beatles, iniciadores de muchisimas cosas, pues, vemos en la portada del disco Yellow Submarine (1969) a John lennon haciendo la mano cornuda. 





jueves, 10 de febrero de 2011

Grupos Ficticios

Hasta principios de los 80s, los playbacks o “sincronía de labios con la música grabada” fue una práctica común, usada cuando un vocalista o grupo musical no podía interpretar sus canciones en vivo, ya por limitaciones técnicas o por enfermedad.
Pero al final de los 80s y principios de los 90s, el creciente protagonismo del video musical, en donde algunas empresas decidieron que era más importante la imagen y el baile que la música, permitieron la deleznable practica de grabar música con músicos y vocalistas de estudio, no comerciales y desconocidos para el público, y darla a conocer mediante modelos y bailarines de imagen atractiva.
Estos “artistas” actuaban en televisión y en conciertos “en vivo” como un vocalista o grupo convencional, con la diferencia que nunca podían interpretar en vivo ni en estudio.
El caso más mediático de playback “engañoso” es el de Milli Vanilli. El productor discográfico Frank Farian, que hizo famosos a Boney M, quería formar un dueto musical y para ello primero escogió a personas por su buena apariencia (dos bailarines de Sabrina Salerno) y grabó las canciones con coristas de estudio, con buenas voces pero que eran poco “agraciados”. La farsa duro por cierto tiempo, Incluso Milli Vanilli recibió importantes premios, hasta que en un concierto, varios fallos del sistema de sonido, develaron el secreto.
Otro caso de grupo ficticio es C+C Factory, realmente formado por Clivillé y Coles, quienes cedían sus voces y protagonismo a varias modelos y raperos.
En Europa, Black Box, alcanzó gran éxito con el protagonismo de una exuberante mulata, de voz enérgica, aparentemente caribe, que cantaba House. En realidad se trataba de una producción italiana y la supuesta mujer, era un transexual que por supuesto, no cantaba nada.
Y en España, pues Locomia!, que al final se supo que nunca cantaron en sus discos, se trataba de un grupo “visual”, tal como trataron de justificarlo. El unico que participo en un disco (Locovox) fue Francesc Pícas; los demás miembros del grupo, su única función era salir al escenario, mover los labios haciendo creer que ellos cantaban, mientras entretenían con sus abanicos. La voz que se escucha en su más conocido tema, Loco Mía, no pertenece a ninguno de los integrantes de esa época, sino a Benjamin Barrington.

miércoles, 26 de enero de 2011

Solidaridad



Luego del terrible terremoto que azotó a Chile recientemente, un periodista se encontró casualmente con Fernando Ubiergo, quien estaba realizando una actividad musical solidaria por las localidades que habían sido más afectadas por el terremoto. El cantante manifestó que simplemente buscaba “la recuperación espiritual del país y la preponderancia que retomaba el espacio público en estas situaciones”.

La importancia del espacio público y la música en la calidad de vida no es un tema nuevo. Ya en el terremoto de Valdivia en 1960, artistas internacionales como Libertad Lamarque, ofrecieron espectáculos similares al aire libre, no estructurados, sin llamar a los medios y por supuesto sin cobrar nada ni organizar fundaciones para hacerlo después.

Aquí en Guatemala, a pesar de tantos desastres naturales que llevan una y otra vez a la gente a vivir en albergues, carpas o champas, parece que nuestra sociabilidad urbana, urbana marginal o rural sigue igual, nuestra forma de vivir la cotidianidad se mantiene y se segrega cada día más.

Y no hablo que en cada desastre natural, haya que hacer conciertos estructurados para recaudar fondos o montar espectáculos que nos distraigan de lo importante: Llevar el mensaje y la música al afectado como parte de su recuperación psicosocial.

Por cierto, si no saben quien es Fernando Ubiergo, aquí la letra de su cancion mas conocida, que mas que eso, es un poema:

Se ocultaba en los pilares de los viejos pasadizos
para esconder el hijo que pronto le iba a llegar
fue difícil esconder en un pobre delantal
los tres meses..... de más...

Y salía del colegio con un siete en la libreta
y en el vientre una cometa que pronto querrá volar
y se iba a caminar, y se iba a preguntar
por las calles, sin final...

Y se fue a donde un cura quien le dijo era pecado
y muy pronto un abogado le hablo de lo legal
y fue el profesor de ciencias
quien hablo de la inconciencia
de la juventud actual...

Y sobraron los consejos que le hablaban de pastillas
de una vieja mujercilla que el trabajo lo hace bien
no falto la buena amiga, esa amiga entre comillas
que le dio una dirección...

Y salio desde el colegio en una fría mañana
cuando la vieja campana aun no daba su talan,
mientras el profe de ciencias hablaba
de la inconciencia de la juventud actual.

Cuando agosto era 21 la encontraron boca arriba
con la mirada perdida y su viejo delantal
y en el bolso del colegio dibujado un corazón
que decía... tú y yo....

Los que juzgan no han sentido el amor...
el dolor...y en el vientre unos latidos…
y se enredan en prejuicios! ¿Y el amor?...
¿Y el dolor?...se quedo en unos latidos.

La canción se llama “Cuando agosto era 21”.

viernes, 21 de enero de 2011

Icono del Rock Guatemalteco

Cuando uno mira por primera vez a Raúl Maquín, quizá observe a un hombre de apariencia frágil, delgado, cabello lacio y largo, bigote abundante; pero cuando toma en sus manos una guitarra eléctrica se transforma totalmente. Pocos minutos son suficientes para escucharlo tocar como Jimmy Hendrix o Carlos Santana, solo por mencionar algunos grandes maestros. Toca la guitarra a lo usual y luego, rápidamente, la coloca detrás de su cabeza y el requinteo sigue como siempre impecable. A sus 58 años sigue manifestando la misma energía que desplegó cuando formo parte del legendario grupo Caballo Loco.

En lo particular, lo conocí en un concierto que conmemoro el decimo aniversario de la muerte de Elvis. Fue en el parqueo de un centro comercial de la Avenida de Las Americas, donde estaba la heladeria Scribona. Alli, el grupo de Raul (Ola Metalica creo que se llamaba) compartio con Sangre Humana. Luego segui sus actuaciones en Danny’s, un mítico lugar –ya desaparecido- tambien en la Avenida de Las Americas. A pesar que este lugar era temático, para Elvis Presley, cuando Raúl tocaba, la mayoría de la gente dejaba lo que esta haciendo, para escucharlo y verlo tocar.

Creo que una excelente descripción de Raúl en acción, es la de un asistente al concierto que dio en Esquipulas en 2009: “Si escuchó alguna vez a Carlos Santana, haga de cuenta que allí estaba, con su cadencia in crecendo hasta explotar como Jimmy Page, pasando por intrincados solos que arrancaron los gritos y aplausos de la audiencia. Una a una, las interpretaciones fueron cada vez mas sorprendentes, canciones del recuerdo, clásicos del rock and roll, rock en ingles y español, exquisitos ensambles con el saxo de “Bicho”, hacían delirar al público. Sin duda, aquel es el mejor guitarrista rockero que he escuchado en mi vida, es un virtuoso, un genio de la guitarra. Quienes no fueron, no tienen ni la menor idea de lo que se perdieron, un artista de talla mundial”.

Claro, siempre sera polemica cuando alguien califica a un musico como "El Mejor" o "Icono" o "Referente", maxime aqui en Guatemala que padecemos del Sindrome de los Cangrejos en el Canasto del Mercado. Pero en el caso de Raul, bueno, uno de los mejores pues!

viernes, 7 de enero de 2011

El Dia que Murio la Musica


Se estrelló en silencio. la Beechcraft Bonanza B35 no hizo ni un solo ruido. Porque aquella avioneta siniestrada apagaba la voz de tres jóvenes estrellas del rock. Buddy Holly, Ritchie Valens y JP 'The Big Bopper' Richardson. El próximo 3 de febrero se cumplirán 52 años del fatal accidente, conocido popularmente como 'el día que murió la música'. Así lo denominó Don McLean en su célebre canción 'American Pie', cuya letra se inspira en el suceso.

Buddy Holly había roto con su banda, The Crickets, y su necesidad de dinero era apremiante. Junto a otras jóvenes figuras organizó una ajetreada serie de conciertos que había de llevarle por 24 ciudades del medio oeste americano en sólo tres semanas. El tour se prometía extenuante, pero aún había cabida para intercalar una repentina actuación en el Surf Ballroom de Clear Lake, Iowa, la noche del 2 de febrero.

La planificación de la gira había sido desastrosa, improvisando el calendario de fechas y ciudades y que obligaba a recorrer un sinfín de kilómetros. Para colmo, se había averiado la calefacción del autobús en que solían desplazarse los músicos. En pleno invierno! Frustrado por las adversidades de logística y por la falta de calzoncillos limpios (la lavandería de Clear Lake estaba cerrada), Holly resolvió contratar una avioneta para volar esa misma madrugada al siguiente destino: Moorhead, Minnesota. Aquella decisión seria fatídica.

Holly contrato a un piloto joven y supuestamente inexperto llamado Roger Peterson. Su avioneta tenía cabida para tres pasajeros, que debían pagar una tarifa de 36 dólares. En un principio, Holly iba a ser acompañado por los dos miembros de su banda, Tommy Allsup y Waylon Jennings. Sin embargo, Ritchie Valens nunca había volado en avioneta y le pidió a Allsup que le cediera su sitio. Valens, un chicano de 17 años, famoso por su versión de 'La Bamba', ganó su asiento en una suerte de cara o cruz.

'The Big Bopper', de 28 años, con síntomas de gripe y solicitó ocupar el asiento de Jennings. Cuando Holly se enteró de que este último se quedaba en tierra, le dijo que: “Ojala tu autobús se congele”. "Y ojala tu avión se estrelle", fue la réplica de Jennings, una broma que desde entonces ha llenado muchos sueños con fantasmas.

Finalizado el concierto, la avioneta despegó de Clear Lake cerca de la una de la madrugada. Dos horas y media más tarde se informó de la desaparición de la aeronave. A primera hora, de la mañana siguiente, se encontraron en un campo de maíz los restos del avión. Los tres músicos murieron instantáneamente y salieron despedidos por el aire, mientras que en la cabina se halló el cadáver del piloto.

Era el abrupto final de una era, de la primera oleada de musicos con guitarras electricas, amplificadores y espíritu rock de los 50s. Y por ello, la historia del 'día que murió la música' continúa siendo objeto de culto. Quizá sea morbo, o quizá el trauma por cuatro muertes a edades tan tempranas. Buddy Holly contaba apenas 22 años, aunque había grabado suficiente material para influir en generaciones futuras, lideradas por los Beatles o los Rolling Stones. Tanto él como Valens y 'Bopper' se convirtieron en leyendas a raíz de su dramático fallecimiento. Fueron los protagonistas de un estallido que sólo arrojó silencio.